'Campeones' pone rumbo a Hollywood

Con esfuerzo, tesón, una gran historia, un grupo de actores que deja de lado sus propios obstáculos para dar lo mejor de si mismos en la pantalla en un reto de superación, un bonito mensaje y una más que notable recaudación en taquilla el pasado verano han sido algunas de las claves con las que esta mañana la Academia confirmaba que Campeones, la cinta de Javier Fesser, representará a España en los próximos Premios Oscar.

"Es una película claramente española, pero que habla de valores y sentimientos absolutamente universales. Hay algo en estos personajes que es común en cualquier lugar del mundo. Cuando vas a la esencia del ser humano, somos todos iguales", ha declarado el propio Fesser, quien ha hecho hincapié en estos valores de la película esperando convencer a los académicos estadounidenses de su calado.

Otra de las grandes bazas para el realizador es su apuesta por la inclusión de personas con discapacidad intelectual. "No hace falta más que abrir un periódico para ver que falta todo lo que ellos aportan: sinceridad, amor, transparencia", aseguró Fesser, que ya conoce lo que es optar a los los premios de la Academia estadounidense, ya que en 2007 estuvo nominado al Oscar al Mejor Cortometraje de Ficción por Binta y la gran idea.

Algunos la situaban como la gran "tapada" de este año para ser la candidata que será llevada a la eliminatoria para decidir las cintas que competirán en el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. A priori no lo tenía fácil. Más teniendo al oscarizado director iraní Ashgar Farhadi en la terna con su obra Todos lo saben, que venía de ser presentada en el Festival de Cannes. Fesser le gana la partida a Farhadi, que fue premiado en dos ocasiones por sus películas El viajante y Nader y Simin, una separación.

También se queda fuera la cinta en euskera Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño, que no repite galones como lo hizo antaño Loreak. Si bien le queda ser la ganadora moral de los últimos Goya, en la que se llevó 10 estatuillas.

Reino Unido manda una premiada ópera prima como candidata a los Oscar

La película I am Not a Witch, la ópera prima como directora de Rungano Nyoni, ha sido elegida por la Academia británica para representar al Reino Unido en la 91ª edición de los premios Oscar, en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa, el próximo año. Fue estrenada en primicia durante la semana del cine en el Festival de Cannes.

I am Not a Witch está ambientado en la actual Zambia y tiene una apariencia oscura y cómica, con la puesta en escena de un "campamentos de brujas" africanas de la vida real; todo ello presentando mientras el objetivo de la cámara sigue a una niña acusada de ser una bruja, que ha de ser atrapada por el miedo, siempre arraigado en la tradición, a que pueda maldecir a todos sus vecinos.

En declaraciones a Hollywood Reporter durante su estreno en Cannes, la directora expresó que la película está inspirada en acusaciones reales de brujería que pudo documentar durante varias estancias en Zambia, país natal de la cineasta criada en Gales. "Mi vecino acusó a su abuela de convertirse en una serpiente frente a ella", dijo.

La película, respaldada por Film4 y The British Film Institute, se llevó el BAFTA al Debut más excepcional de un escritor, director o productor británico; así como tres premios, de las diez nominaciones que tenía, en los British Independent Film Awards.

Ya se conocen las películas españolas preseleccionadas para los Oscar

Campeones, Handía y Todos lo saben forman la terna de tres películas que la Academia de Cine ha dado a conocer hoy en su sede madrileña y que competirán por ser la cinta que nuestro país mande a Hollywood en calidad de representante oficial a la Mejor Película de Habla no Inglesa en su 91ª edición.

Campeones, la última película del director Javier Fesser, ganador del Goya por Camino, revolucionó hace semanas la taquilla, al tener más de 3 millones de espectadores y 17 millones de euros de recaudación. Todo un golpe en la mesa para Fesser que volvía así a la comedia, campo que domina desde sus comienzos y que puede colocarle en una buena posición para ganar en los próximos premios Feroz.

Por su parte, Handia, la ganadora moral de los últimos Premios Goya, al llevarse 10 estatuillas, dirigida por la dupla Jon Garaño-Aitor Arregi, puede ser la gran sorpresa si sale ganadora. Es la cinta en euskera más vista de la historia y la segunda posibilidad de que una producción vasca, después de Loreak (2015), cruce el Atlántico rumbo a California.

Poco más se puede decir de la última candidata. Todos lo saben, del laureado cineasta iraní Asghar Farhadi, se estrenó en el Festival de Cannes. Aunque se verá en salas el próximo 14 de septiembre, esta última película podría ser la cinta "segura" de la Academia; más que nada por el peso que lleva Farhadi en su haber. Dos Oscar en su currículum dan bastante seguridad: El viajante y Nader y Simin, una separación.

De la terna de tres preseleccionadas sólo podrá quedar una. En los próximos días se celebrará una segunda votación de la que saldrá elegida la finalista, que se conocerá el 6 de septiembre.

Tráiler de 'The Birth of a Nation', la película que arrasó en Sundance y que podría llegar al Oscar

Todo son hipótesis. Y más si quedan aún diez meses para la próxima edición de los Oscar. Un ejemplo de hace poco lo vimos en Julieta, de Pedro Almodóvar, quienes desde THR apuntaron a que huele a la alfombra roja. Pues casi papel idéntico juega The Birth of a Nation, la ópera prima del cineasta Nate Parker que ha triunfado en Sundance, donde se hizo con el premio del público y de Mejor película.

La cinta, que toma su nombre del clásico homónimo dirigido por D.W. Griffith en 1915, donde se defendía sin ambages la supremacía blanca y al Ku Klux Klan, es un drama que se centra en la revuelta de esclavos que lideró el predicador y ex esclavo Nat Turner, a quien da vida el mismo director, en Virginia en 1831. Aunque algunos críticos han comentado su cercanía con 12 años de esclavitud (y en IMDB no las trae todas consigo), la película de Parker podría ir un paso más allá.

Precisamente, ha marcado un antes y un después al ser la película más cara de Sundance comprada por una distribuidora. En este caso 17,5 millones de dólares ha sido la cantidad pagada por Fox Searchlight para su visionado internacional, lo que viene a indicar en el valor a largo plazo que le han dado al filme, con vistas seguras a pasearse por diversos certámenes.

El tráiler cuenta con la voz de Nina Simone interpretando Strange Fruit, apropiada para escuchar en cualquier película que tenga la esclavitud y el racismo por tema.

Los ganadores de los Oscar 2016

Oscar honorífico:
Spike Lee, Gena Rowlands y Debbie Reynolds

Mejor película:
Spotlight

Mejor dirección:
Alejandro G. Iñárritu por El renacido

Mejor actor:
Leonardo Dicaprio por El renacido

Mejor actriz:
Brie Larson por La habitación

Mejor actor de reparto:
Mark Rylance por El puente de los espías

Mejor actriz de reparto:
Alicia Vikander por La chica danesa

Mejor película extranjera:
El hijo de Saúl por Hungría

Mejor guión original:
Tom McCarthy y Josh Singer por Spotlight

Mejor guión adaptado:
Adam McKay y Charles Randolph por La gran apuesta

Mejor película documental:
Amy
   
Mejor corto documental:
A Girl in the River: The Price of Forgiveness

Mejor montaje:
Margaret Sixel por Mad Max: furia en la carretera

Mejor dirección de fotografía:
Emmanuel Lubezki por El renacido

Mejor banda sonora:
Ennio Morricone por Los odiosos ocho

Mejor canción original:
"Writing's on the Wall" (Jimmy Napes y Sam Smith) por Spectre

Mejor diseño de producción:
Colin Gibson y Lisa Thompson por Mad Max: furia en la carretera

Mejor diseño de vestuario:
Jenny Beavan por Mad Max: furia en la carretera

Mejor maquillaje y peluquería:
Damian Martin, Lesley Vanderwalt y Elka Wardega por Mad Max: furia en la carretera

Mejor mezcla de sonido:
Chris Jenkins, Ben Osmo y Gregg Rudloff por Mad Max: furia en la carretera

Mejor edición de sonido:
Mark A. Mangini y David White por Mad Max: furia en la carretera

Mejor efectos especiales:
Mark Williams Ardington, Sara Bennett, Paul Norris y Andrew Whitehurst por Ex Machina

Mejor película de animación:
Inside Out (Del revés)

Mejor cortometraje de ficción:
Stutterer

Mejor cortometraje de animación:
Bear Story

La contracrítica de los Oscar (X): 2012, 'Argo' vs 'La noche más oscura'

Este próximo domingo la Academia celebrará su 88ª gala de entrega de los premios Oscar, y a dos días de los mismos Rebuscando el Norte termina su particular andadura de diez contracríticas contando los casos más sonados de las películas que lo ganaron y no debieron. Un camino de dos semanas que se cierra hoy con la disputa en la 83ª edición entre Argo y La noche más oscura, que tuvo lugar hace tres años y a la que también se presentaron Amor, Bestias del sur salvaje, Django desencadenado, Los Miserables, La vida de Pi, Lincoln y El lado bueno de las cosas.

¿Quién se llevó el Oscar?: Argo
Ben Affleck protagonizó y dirigió esta historia real en torno al rescate de seis funcionarios estadounidenses durante la crisis de los rehenes en Irán (1979 - 1981), y en la que tuvo un papel reseñable la acción de la CIA y Hollywood al crear una tapadera para su salida a través de una falsa producción cinematográfica. Un drama fácil de entender para los académicos en los Oscar en el que América siempre sale victoriosa y airosa de sus problemas. ¿Pero no es Canadá la verdadera heroína de la historia? Cierto, pero con Estados Unidos ya se sabe. Argo acabó siendo un drama con un valor inferior a lo que se esperaba. Ni acabó siendo el thriller del año ni terminó en comedia (por suerte). Y a pesar de que juntaba ciertos momentos a lo largo de la película nunca acababa por decantar la balanza. La historia, que ganó el Oscar a Mejor guión adaptado, era aburrida, carente de ritmo y tensión cuando debía tenerla. La energía reinaba por su ausencia. Por último, antes de su estreno nadie pensaba que Affleck pudiera armar la que acabó armando. Un Globo de Oro y un Bafta por su labor como director confirmaron lo que, para variar, la Academia omitió. ¿Qué diantres buscaban en los Oscar sin siquiera nominarle?



¿Quién debió llevárselo?: La noche más oscura
El 1 de mayo de 2011, un equipo especial de los Navy Seal irrumpió en una casa a las afueras de Abbottabbad (Pakistán) y mató a su huésped, el hombre más buscado del mundo: Osama Bin Laden. Con esta acción, Estados Unidos cerraba su particular via crucis que comenzó la mañana del martes 11 de septiembre de 2001. El germen del último filme de Kathryn Bigelow, única directora ganadora del Oscar, no iba a tratar sobre la caza de Bin Laden, sino sobre una de las operaciones fallidas para buscarle en las montañas afganas de Tora Bora meses después de los atentados. Una historia que se estaba puliendo la noche que Barack Obama dio el discurso que confirmó la noticia. El nuevo proyecto se reconstruyó entero para contar el arduo camino de la inteligencia americana para dar con el paradero del némesis de Occidente y del grupo de soldados enviados a dar caza a "Gerónimo": Zero Dark Thirty, traducido a nuestro país como La noche más oscura. Fue bastante criticada, para variar, por sectores ortodoxos que veían inaceptable la recreación de torturas por parte de la CIA para hacer cantar a los presos de Al Qaeda. ¡Hola Guantánamo! Se puede discrepar en el modus operandi del filme para representar los hechos reales. Seguramente dista bastante lo que pasó aquella noche con lo que muestra el momento cumbre de la película, pero la ficción siempre se muestra abierta a licencias. La noche más oscura ha sido el proyecto más ambicioso de Bigelow. Diez veces más que En tierra hostil, y cuyo reconocimiento ha pasado bastante olvidado a pesar de ser una de las victorias elitistas más importantes de los últimos años. Sumando otros puntos, en contra de Argo, donde la película es más coral que un monólogo de Affleck, esta película la aguanta, cual Atlas, una titánica Jessica Chastain que se merienda todo lo que sale en pantalla. Nadie puede menospreciar el trabajo intachable que realizó y que le valió el Globo de Oro a Mejor actriz en Drama y la nominación al Oscar. Si de cierre se le puede criticar algo, pues como todo no es perfecta, es esa presencia de tintes patrióticos que tanto gusta al otro lado del charco. Ni exacerbado ni un tanto light, pero claro a lo largo de la trama.

La contracrítica de los Oscar (IX): 2010, 'El discurso del Rey' vs 'La red social'

Novena entrega que ya nos sitúa en la década de 2010. Unos Oscar de contraste donde pudimos dar cuenta de un modelo cinematográfico rompedor ofrecido por David Fincher con La red social y otro gris y british en su fondo de la mano del cineasta Tom Hooper en El discurso del Rey. Dos historias opuestas con un nexo: fueron acontecimientos reales. La primera, el tratamiento de la tartamudez de un monarca recién ascendido desconocida para gran parte del público; la segunda, la historia de nuestra vida en Internet y las luces y sombras de un proyecto que cambió la perspectiva de las redes sociales para siempre, La 83ª (LXXXIII) entrega de los Oscar tuvieron, amén de estas dos, otras ocho candidatas a Mejor película: Winter's Bone, Toy Story 3, Cisne negro, 127 horas, Origen, Los chicos están bien, Valor de ley y The Fighter.

¿Quién se llevó el Oscar?: El discurso del Rey
Dos de los grandes pilares en los que se basa esta historia sobre la tartamudez del rey Jorge VI de Reino Unido son Colin Firth, quien dio vida al monarca y por el que ganó el Oscar a Mejor actor, y Geoffrey Rush, en la pantalla Lionel Logue, su logopeda y hombre de confianza a posteriori. Más allá de este dúo, la película no ofrece algo más para enganchar al espectador. No hay que menospreciar que la ambientación de El discurso del Rey es notable, en eso acertó Hooper. Sin embargo, la falta de empatía de los actores en ciertos momento con lo que tiene que haber al otro lado de la pantalla, aka el espectador, brilla por sí solo. A pesar de todo, resulta curioso que se sobrepusiera a todos los envites y triunfara allá donde se pensaba que no lo haría. Amén de cuatro Oscar, su particular y blasfema suerte la tuvo en los Bafta, donde no teniendo suficiente con el premio a Mejor película británica, también se llevó el genérico de Mejor película. Un pleno que se vio escracheado en los Globos de Oro, donde la prensa -ahora sí- vio otra realidad. Para recordar, el momento álgido de la película con los acordes del movimiento Allegretto de la Séptima sinfonía de Ludwig van Beethoven.



¿Quién debió llevárselo?: La red social
El por qué se llevó El discurso del Rey y no La red social el Oscar a Mejor película fue un nuevo y perfecto ejemplo de los prejuicios de la edad de los académicos, más cercanos a la historia que se desarrolla a finales de 1930 que de comienzos del siglo XXI, donde el boom de la red de las redes sociales les pilla lejos. La dramatización de la aparición y subida a los cielos tecnológicos de Mark Zuckerberg es una compleja maquinaria muy bien urdida entre David Fincher y Aaron Sorkin, quienes dieron vida al libro de Ben Mezrich (Multimillonarios por accidente) convirtiéndolo en una película rítmica, con puntos irónicos, imperdible y generacional de la que nos sentimos, indirectamente, parte. Aunque queda como la versión no oficial del nacimiento de Facebook, y apostilla al Zuckerberg en pantalla (enorme Jesse Eisenberg) como un mortal con tantos problemas como el resto: sin amigos, vergonzoso hasta la médula, incapaz de hablar con las mujeres, pero un genio delante de la pantalla de su ordenador, universo donde se crece. El fenómeno de La red social no ha terminado, pues aún hoy sigue siendo ejemplo de la vida de más de 500 millones de usuarios. Quizá una droga perjudicial en cierto modo que afecta otras partes emocionales de nuestro cuerpo. Así mismo, la película, ganadora del Globo de Oro al Mejor drama, sentó la base para una nueva demarcación en el apartado musical. Su banda sonora, compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross, es la prueba de ello. Cada pieza del soundtrack encaja a la perfección con las imágenes manejadas por Fincher, incluida la versión de En la gruta del rey en la montaña en una de las mejores escenas del metraje. El cierre es una moraleja de toda la historia de Facebook, simple y directo que remarca la esencia del proyecto: todos querrán estar conectados.

La contracrítica de los Oscar (VIII): 2005, 'Crash' vs 'Brokeback Mountain'

Y llegamos a la octava contracrítica. La más polémica y recordada de todas las que se han publicado hasta ahora. Corría el año 2006, altas horas de la madrugada (hora española) del 6 de marzo, y Jack Nicholson iba a desvelar la última ganadora de la noche. Abre el sobre con solemnidad para una vez después de decir el nombre de Crash soltar un rotundo "NO". ¿Quién se lo creía? Empezando por Nicholson y muchísima gente que, años después, seguirían afirmando que no era su noche. La historia de Brokeback mountain sacudió los cimientos de organizaciones conservadoras que no la vieron con buenos ojos. Un lobby que en Hollywood consiguió pasar la pelota a la cinta de Paul Haggis, quien reconoció años después que no era la mejor película del año para llevárselo. Junto a Crash y Brokeback Mountain, en la LXXVIII edición de los Oscar competían Munich, Buenas noches y buena suerte y Capote.

¿Quién se llevó el Oscar?: Crash
A pesar de su "bonito" final en la gala de los Oscar, la andadura de Crash en los Globos de Oro y los Bafta fue todo lo contrario. Ni a la asociación de periodistas ni a los académicos británicos les conmocionó este variopinto largometraje acerca de las vidas entrelazadas de ciudadanos cualesquiera de Los Angeles. No era una historia interesante digna de ser analizada ni nominada. Y lo peor de todo, fue otra trinchera más en la que el ejército de los críticos de cine se enzarzaron. Mientras que muchos la llamaron como la peor película de la década de los 2000, algunas vacas sagradas del grupo como Roger Ebert defendían que era la mejor del 2005. Lo que sucedió con Crash es digno de ser analizado en profundidad, y mucha gente de la industria cinematográfica estadounidense lo vio más como un premio por incordiar a otro que por alabar su historia. En todas las miras, el mismo objetivo: Brokeback Mountain, una película que escocía a los sectores conservadores. La última pesquisa sobre el filme puede ser cuando el elenco sube al escenario a celebrar el Oscar a Mejor película. La felicidad que desbordan es también parte incredulidad. Incredulidad porque no saben cómo diantres han podido ganar. Tras bastidores, la respuesta estaba más clara.



¿Quién debió llevárselo?: Brokeback Mountain
Algunos creen que el malestar de los académicos, de los votantes, con la película de Ang Lee era la mirada que hacía, a través de la historia de Annie Proulx, de algo tan bello como es el amor entre dos personas. La puntilla estaba en que fuese el romance secreto entre dos vaqueros, interpretados por Jake Gyllenhaal y Heath Ledger. La crítica avaló el trabajo de Lee que contaba con cero apoyos iniciales. Las productoras se mostraban reacias a financiar algo que podía ser un desastre en taquilla. Sin embargo, fue la punta de lanza para normalizar la situación de los homosexuales en la meca del cine. A las críticas de los grupos ortodoxos, de los medios de comunicación conservadores y de algunos países o estados donde fue prohibida por tratar un tema tabú, se le unieron los premios que celebraron su valor. Se llevó el León de Oro a la Mejor película en Venecia, triunfó en los Globos de Oro y en los Bafta, en ambos con cuatro premios y en la noche de Crash, Ang Lee consiguió el Oscar a Mejor director; Larry McMurtry y Diana Ossana el de Mejor guión adaptado y el argentino Gustavo Santaolalla el de Mejor música original. Los acordes de la guitarra acústica y la emoción que transmite la pieza Wings encierra la esencia de Brokeback Mountain, esa que por pseudoprincipios morales unos cuantos (mayoría) no se atrevieron a ver.

La contracrítica de los Oscar (VII): 2002, 'Chicago' vs 'El pianista'

Esta séptima entrega en Rebuscando el Norte cruza el umbral del Efecto 2000 para meterse de lleno en el siglo XXI, que también nos ha dejado algunos números destacables de películas que ganaron el Oscar y no debieron llevárselo. La Academia sabrá cómo se las gasta, claro está, pero aquí estamos para dejar sobre la mesa las cartas y que cada uno dictamine. 23 de marzo de 2003, LXXV ceremonia de los Oscar, presentada por Steve Martin. Cinco cintas nominadas a Mejor película: Chicago, Gangs of New York, Las horas, El Señor de los Anillos: las dos torres y El pianista.

¿Quién se llevó el Oscar?: Chicago
Si con Gente corriente se recurrió al boom del melodrama entre los setenta y ochenta, el nuevo milenio recuperó un fenómeno olvidado en el cine: el de los musicales. En 2001 triunfaba Moulin Rouge!, la película del australiano Baz Luhrman instalada en el París de comienzos del siglo XX. La historia romántica entre Edward Norton y Nicole Kidman a modo de coral versionando éxitos de Elton John (puede que el más recordado), Madonna, Nirvana o David Bowie. El musical tocó con Chicago la fibra del espectador, fue una patata caliente, un fenómeno obsesivo que tenía que saltar por cualquier lado. Lamentablemente, saltó por todo lo alto, y la Academia fue partícipe de ello. Alguien puede pensar que fue la forma más satírica de pedir perdón a Cabaret por no concederle el Oscar a Mejor película en su momento. Barbaridad de comentario digan lo que digan. Volviendo a Chicago, la cinta de Rob Marshall optaba a 13 nominaciones y consiguió seis. Más allá de los premios técnicos, solo tocó alto (quitando película) en Mejor actriz secundaria para Catherine Zeta-Jones. Honestamente, a menos que uno esté obsesionado con los musicales, ¿alguien recuerda en 2016 la película?



¿Quién debió llevárselo?: El pianista
La película que debió haber ganado el Oscar aquella edición fue El pianista, la durísima obra del cineasta polaco Roman Polanski en la que mostraba al espectador su inquebrantable mirada en la lucha de un músico judío (Adrien Brody) para sobrevivir en unas pésimas condiciones en el gueto de Varsovia durante la Segunda Guerra Mundial. Tanto Polanski como Brody se llevaron el Oscar por su trabajo detrás y delante de las cámaras, así como Ronald Harwood por el guión adaptado. Se llevó la Palma de Oro en Cannes y barrió -literalmente- en los César franceses. Pero ahí quedó el capítulo de una película que merecía más reconocimiento al otro lado del charco, y en concreto en la costa oeste. Quizá los académicos buscaron no repetir la estela de La lista de Schindler y por eso la decisión de Chicago, un cambio de aires, algo más revitalizante y que no hiciera pensar mucho.

La contracrítica de los Oscar (VI): 1998, 'Shakespeare in Love' vs 'Salvar al soldado Ryan'

Apenas nos movemos un año en el espacio. Si la quinta entrega de estas contracríticas nos sumergía en el lío por Titanic, el que fue protagonizado al año siguiente no fue para menos. Fue en la LXXI gala de los Oscar, donde estaban nominadas Salvar al soldado Ryan, Elizabeth, Shakespeare in Love, La vida es bella y La delgada línea roja.

¿Quién se llevó el Oscar?: Shakespeare in Love
Esta historia ficticia sobre la figura de un entonces joven genio del teatro isabelino, William Shakespeare, creador de Romeo y Julieta o Hamlet, entre otras muchas grandes obras, fue la ganadora del Oscar a Mejor película. La cinta, dirigida por el británico John Madden, pudo ser vista como el sueño de una noche de Oscars efímera, una jocosa broma de los académicos o una tomadura de pelo para la crítica. A priori no era la opción más fuerte de la edición, pero los Oscar, los Globos de Oro y los Bafta se pusieron de acuerdo en que sí tenía ese algo especial. Shakespeare in Love se llevó siete premios, entre otros los de Mejor actriz (Gwyneth Paltrow) y Mejor actriz de reparto (Judi Dench), Mejor guión original, Mejor banda sonora, Mejor diseño artístico y de vestuario.



¿Quién debió llevárselo?: Salvar al soldado Ryan
Hay aspectos fascinantes dentro del horror de la Segunda Guerra Mundial cuando son llevados a la gran pantalla. Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg fue una de las mejores muestras. Su puesta inicial con el desembarco de Normandia provocó recuerdos aciagos de los veteranos de guerra que lo vieron, fue alabado por Quentin Tarantino como uno de los mejores inicios del género bélico y por ser continuación en el tiempo de El día más largo (1962). Los acordes patrióticos del himno a los caídos de John Williams no pueden sino emocionar, así como la actuación de Tom Hanks, que dejó el listón bastante alto al resto de reparto. Ciertamente, Spielberg rascó algo de todo esto, su estatuilla a Mejor director. Un reconocimiento puntual para una película que se superó con creces. Con cinco premios de la Academia (entre ellos Mejor montaje y fotografía), Shakespeare in love le ganó la partida en los premios, pero si hiciéramos hoy una encuesta ahora sobre qué película recuerdas más, la balanza se decantaría por esta joya spielbergiana.

La contracrítica de los Oscar (IV): 1990, 'Bailando con lobos' vs 'Goodfellas (Uno de los nuestros)'

Nos movemos una década en el tiempo, hasta la LXIII edición de los Oscar que tuvo lugar el 26 de marzo de 1991. Y aunque avanzamos en fecha no lo hacemos en uno de los parámetros: misma película y director caídos en desgracias. En la gala de 1991, año de la desaparición de la Unión Soviética, presentada por Billy Crystal estaban nominadas a Mejor película Bailando con lobos, Goodfellas (Uno de los nuestros), El Padrino III, Ghost y Despertares. Scorsese contra Coppola, vaya tela.

¿Quién se llevó el Oscar?: Bailando con lobos
Kevin Costner se cascó un Juan Palomo de órdago al dirigir y protagonizar este western de un teniente de la Unión durante la Guerra de Secesión que decide viajar hasta la frontera y hacerse amigo de los indios americanos. Aunque recibió numerosas críticas positivas, sobre ella cayeron las inexactitudes culturales denunciadas por las comunidades nativas, en especial la de los sioux. Ganadora de siete premios de la Academia, entre ellas Mejor director, Mejor banda sonora (John Barry) y Mejor guión adaptado (Michael Blake), muchos siguen pensando hoy en día que otra película se merecía el premio gordo esa edición.



¿Quién debió llevárselo?: Goodfellas (Uno de los nuestros)
Y Scorsese, el querido Martin, volvió a saltar a la palestra. Quizá esta, y no otras, sea la que más fastidió. Goodfellas (Uno de los nuestros) es ese clásico que con veinticinco años de vida se ha hecho un hueco en muchas de nuestras vidas y nuestras estanterías. Una fetiche sobre el modus operandi de la mafia y parte de esa Trinidad que conforma junto a Los Soprano y la saga de El Padrino que siempre ha de ser respetada independientemente del credo. Recibió seis nominaciones en los Oscar, y tan solo se llevó el de Mejor actor secundario, un premio más que merecido para el neurótico papel de Joe Pesci. Los premios Bafta fueron más condescendientes con Goodfellas y le dieron el reconocimiento "oficial" que se merecía. Que se fuera casi de vacío en 1991 no indica que sea olvidada fácilmente. Para la posteridad también queda esos últimos fotogramas, esa cara de idiota de Liotta y el pistolero Pesci homenajeando al corto de Edwin S. Porter con las notas del My way de Sex Pistols.

La contracrítica de los Oscar (III): 1980, 'Gente corriente' vs 'Toro salvaje'

La tercera entrega nos lleva hasta 1980, durante la LIII edición de los Oscar, por la que competían Gente corriente, El hombre elefante, Quiero ser libre, Toro salvaje y Tess.

¿Quién se llevó el Oscar?: Gente corriente
A finales de los años 1970, el melodrama copaba las salas de cine. Los espectadores acudían en tropel adormecidos por esta mezcla cinematográfica que entraría de lleno en los años 1980. Dentro de todo ello, su cenit se concentró en Gente corriente, película dirigida por Robert Redford, quien ganó su único Oscar como director gracias a la historia que adaptó Alvin Sargent de la novela homónima de Judith Guest. De todas las candidatas, estamos de acuerdo que la historia dictaminó que fuera la ganadora del Oscar a Mejor película, pero es una de las tantas criticadas por lo mismo. No hay que menospreciar la labor de Timoty Hutton, quien concentra gran parte de la carga actoral del filme, pero se necesita algo más que un solo personaje para mantener el barco.



¿Quién debió llevárselo?: Toro salvaje
Recapacitemos un poco. Hay que pararse en Toro salvaje, primera de las grandes obras maestras del neoyorquino Martin Scorsese que llegó alto en los Oscar. ¿No bastaba, además de ser portentosa y genial, por ser una mirada al interior de la locura de Jake LaMotta? El boxeador al que dio vida, alma y sentimiento un increible e irreconocible Robert de Niro por el que ganó su primer Oscar. Más allá de todo eso, hay que sumarle la fotografía de Michael Chapman, el guión de Paul Schrader, que también pasó desapercibido por la Academia, y la edición a cargo de Thelma Schoonmaker en la primera película que trabajó codo con codo con Scorsese. La Academia tendría algunas pullas más por lanzar contra Scorsese después de su ninguneo a Toro salvaje, y no sería hasta el siglo XXI cuando se lo concedería por Infiltrados. El premio final en el momento inadecuado con la película equivocada.

La contracrítica de los Oscar (II): 1956, 'La vuelta al mundo en ochenta días' vs 'Los diez mandamientos'

Segunda contracrítica. Avanzamos hasta 1956, año de contrastes en los premios de la Academia. En la XXIX edición de los premios Oscar se enfrentaban por la Mejor película cinco películas: La vuelta al mundo en ochenta días, La gran prueba, Gigante, El rey y yo y Los diez mandamientos.

¿Quién se llevó el Oscar?: La vuelta al mundo en ochenta días
Basada en la novela de Julio Verne, la película dirigida por Michael Anderson costó cerca de 6 millones de dólares de la época. Una producción que muchos vieron pender de un hilo a lo largo de todo su proceso, siempre por culpa del dinero. Fue una adelantada a su tiempo en materia de creación de los créditos, ya que en lugar de suceder las letras, estas fueron animadas. Es reconocida por ser la película que le dio a Cantinflas su único Globo de Oro. Ganadora de cinco estatuillas, Anderson se vio privado de la Mejor dirección, que recaló en George Stevens por Gigante.



¿Quién debió llevárselo?: Los diez mandamientos
Una de las obras mastodónticas del cineasta Cecil B. DeMille, precisamente la última que rodó, es ya uno de los clásicos entre clásicos en las reposiciones de Semana Santa, una de las producciones que se antojaba a dejar huella en el panorama del género bíblico como lo hicieran también Quo Vadis? o Espartaco. El filme contaba con un casting de estrellas de diez para la época: Anne Baxter, Yul Brynner, Edward G. Robinson, Yvonne De Carlo u Olive Deering. No se puede olvidar a Charlton Heston, cuya interpretación de Moisés pasó desapercibido en las nominaciones. Los diez mandamientos también hay que recordarla por sus efectos especiales, únicos para los años que corrían en Hollywood. El paso del pueblo judío por el Mar Rojo en la versión de DeMille ya ha quedado para la posteridad. En la actualidad, Debra Parget, quien daba vida a Lilia, es la única actriz de la película que sigue viva.

La contracrítica de los Oscar (I): 1941, '¡Qué verde era mi valle!' vs 'Ciudadano Kane'

Empezamos este dossier de diez entregas con la primera gran contradicción expuesta por Independent. Corría el año 1941, pocos meses antes de que Alemania iniciara su operación Barbarroja y la invasión de la Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial. En la XIV edición de los premios de la Academia se enfrentaban por el premio gordo diez películas, entre ellas Ciudadano Kane, ¡Qué verde era mi valle! o El halcón maltés.

¿Quién se llevó el Oscar?: ¡Que verde era mi valle!
La película dirigida por John Ford acabó tentando más a la Academia contando las vivencias de los Morgan, una familia galesa durante la crisis minera de finales del siglo XIX. Protagonizada por Maureen O'Hara, Roddy McDowall y Walter Pidgeon, es una muestra de la lucha sindical por la mejora de los salarios y de las condiciones de los trabajadores frente a los patronos. Una imagen que contradice el papel del padre de familia de los Morgan, quien prefiere evitar hablar del socialismo y de los sindicatos.



¿Quién debió llevárselo?: Ciudadano Kane 
Cinta obligadísima en muchas facultades de Periodismo, la obra magna de un joven y visionario Orson Welles es, según diversas críticas y listas cinematográficas, la mejor película de todos los tiempos. ¿Quién no recuerda su comienzo? Ese susurro de Rosebud tan enigmático que envuelve toda la cinta. A pesar de ser un fracaso en taquilla, la crítica la encumbró. Welles retrató la tiranía y la especial banalidad de una imagen del todopoderoso William Randolph Hearst, quien, obviamente, la detestó hasta su muerte, algo que puede verse en la producción de HBO RKO 281 (1999). Welles debería conformarse en esa edición con el Oscar a Mejor guión original. Solo la Academia supo recompensarle en 1971 con el premio honorífico. Quizá un poco tarde.

Pixar anuncia el primer cortometraje de 'Inside Out'

Semanas después del estreno en España de Del revés (Inside Out), la última gran joya de Pixar, seguimos con el pensamiento de que nos encandila con sus cinco variantes. A saber, Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco. Muchísimas críticas positivas y constructivas y escasas negativas la han hecho una fija del panteón cinematográfico de este 2015, y una candidata más que segura a alzarse con el Oscar a Mejor película de animación.

Pues bien, Pixar ha anunciado que la historia de Ridley tendrá una continuación en forma de cortometraje. Ridley's First Date es el nombre que llevará, y vendrá hilado con el final de la película, donde la jovencilla prota conocía a un chico llamado Jordan en un partido de hockey. Ya encaminada hacia la pubertad, sus cinco estados deberán coordinarse para superar la situación. No solo ellos, también sus padres y sus respectivos equipos.

El equipo original que puso las voces en la película, liderado por Amy Poehler, repetirá en este cortometraje, que llegará incorporado en las ediciones DVD y Blu-Ray. También se ha adelantado que las principales protagonistas de la historia serán Alegría y Tristeza, dejando en segundo plano a Ira, Asco y Miedo, y es que en la pubertad son los protagonistas indiscutibles.


ABC Latest News | Latest News Videos

Tráiler de 'Birdman', la última de González Iñárritu que apunta alto en los Oscar

El próximo 9 de enero se estrena en España, de la mano de 20th. Century Fox, Birdman, la última película del director mexicano Alejandro González Iñárritu, protagonizada por Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Naomi Watts, Zach Galifianakis, Amy Ryan y Andrea Riseborough. Esta comedia negra, del cineasta autor de 21 gramos, Amores perros o Biutiful, se posiciona -junto a Boyhood de Richard Linklater- como favorita para la próxima edición de los premios Oscar.

De momento, ya apunta alto con vistas a las nominaciones de los Globos de Oro de este jueves, tras llevarse premios en los festivales de Nueva York, Boston y Washington, donde piezas como la fotografía de Emmanuel Lubezki, el guión o las actuaciones de Michael Keaton y Emma Stone han sido recompensadas.

Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) trata sobre la carrera de un actor venido a menos que recuerda sus años de gloria, en los que interpretó el papel del superhéroe Birdman. Deseoso más que nunca de recuperar el tiempo perdido y de encontrarse a sí mismo, intenta recomponerse subiendo a los escenarios de Broadway mientras lucha por organizar su vida familiar.

Neil Patrick Harris, maestro de ceremonias de la 87ª gala de los Oscar

El actor y cómico Neil Patrick Harris será el encargado de presentar la próxima edición de los Oscar, la 87ª de toda su historia y que tendrá lugar el domingo 22 de febrero, dos semanas después de los Goya en España. Así lo ha dado a conocer el medio estadounidense Variety, confirmando las sospechas habidas durante las últimas semanas -y meses- de que podría recaer en el de Albuquerque los mandos de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas tras el paso de Ellen DeGeneres.

Gran noticia para el actor, cuyos orígenes en la pequeña pantalla se remontan a 1989, año en que inicia la serie Un médico precoz, donde obtendría el papel protagonista. Después de su paso por diversas series su boom televisivo vino en 2005 con la sitcom Cómo conocí a vuestra madre, donde protagonizaría uno de sus papeles más recordados e imitados, el del excéntrico y mujeriego Barney Stinson. En el cine, ha tenido un paso más modesto, desde Starship Troopers (2000, Paul Verhoeven), pasando por Los Pitufos (2011, Patrick Winslow) hasta la última película en cartelera, Perdida (David Fincher), donde comparte plantel con Ben Affleck y Rosamund Pike y en el que da vida a Desi Collins, un ex novio de Amy (Rosamund Pike).

No será la primera vez que Neil Patrick Harris se enfrente ante centenares de espectadores. Tablas tiene tras presentar cuatro ediciones de los Tony (en los años 2009, 2011, 2012 y 2013) y dos de los Emmy (2009 y 2013). Así mismo, cuenta con un Emmy a Mejor actor invitado en serie de comedia por Glee y un Tony por Mejor actor en un musical por su actuación en Hedwig and the Angry Inch. La gala de los Oscar será retransmitida por la ABC para 225 países. Habrá que esperar hasta entonces para ver cómo se desenvuelve en el súmmum de los premios del cine, y constatar si su prueba de fuego ha sido, como diría su personaje de Cómo conocí a vuestra madre, legendaria.

Crítica de 'Perdida'

Cada estreno de David Fincher (Denver, 1962) es esperado como agua de mayo. Es uno de esos directores que ha aprendido de los errores y ha ido mejorando con cada paso dado, exprimiendo al máximo cada historia que ha ido cayendo en sus manos, amoldando de tal manera sus películas que triunfan en taquilla y embelesan a espectadores y críticos. Lo hizo con Seven, El club de la lucha, Zodiac, en menor medida con El curioso caso de Benjamin Button, y por último con La red social, quizá el momento más importante de sus últimos años tras las cámaras. Ahora se presenta, después de su paso por varios festivales, con Perdida (Gone Girl), un thriller basado en la novela homónima de Gillian Flynn, guionista de la película, y protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike. Fincher vuelve a lograr una revolución audiovisual con algo de calidad y comercial. Con sus matices y clichés, con sus momentos dulces y tensos, la historia urde en los fondos más fondos de la relación de pareja, no exenta de broncas, donde a menudo la respuesta más sencilla no es siempre la correcta.

En el día de su quinto aniversario de boda, la escritora Amy Dunne (Rosamund Pike, Muere otro día), desaparece sin dejar el más mínimo rastro. Su marido, Nick Dunne (Ben Affleck, Argo), también escritor, pero en el paro, denuncia la desaparición de su esposa ante la policía. Se procederá a extender todos los recursos posibles para descubrir el paradero de Amy, pero a medida que pasan los días, las sospechas de los investigadores empiezan a volver la cabeza hacia Nick, quien ha podido mentir a su familia, sus vecinos y a la policía durante la investigación, que quizá no está dirigida a resolver la desaparición de Amy, sino su asesinato. En sus casi dos horas y media de duración, el espectador es testigo de una película enigmática y perturbadora, en la que el peso de la trama no anda equilibrada entre Ben y Rosamund, pues es la protagonista femenina quien acaba con el mayor peso dramático, punto a su favor en la carrera de fondo hacia los Oscar. Su personaje de tintes maquiavélicos es arrebatador y bello, pero inestable, inquietante y conmovedor. Esa dualidad entre el bien y el mal hacen de Amy un personaje de talla que se come cada escena, no solo por sus diálogos sino también por la cualidad blindada por Fincher para el lenguaje no verbal del guión firmado por Flynn.

Quizá con este filme, Ben Affleck pasa del famoso argoderse a perderse. Su personaje baila al son del secretismo, de la acción detectivesca de una perspicaz pero algo entroncada Rhonda Boney (Kim Dickens, Perdidos) y de la necesidad de demostrar su inocencia encarecidamente ante la opinión pública y su hermana Margo (Carrie Coon, The Leftovers). Pero si hay alguien que explota cada minuto en cámara ese es el papel de Desi Collins, un ex novio de Amy y segundón al que da vida un notorio e irreconocible Neil Patrick Harris (Cómo conocí a vuestra madre), quien ofrece una vertiente dramática, enigmática y algo pagafantista. Así mismo, Perdida es continuación del buen trabajo técnico legado por el equipo que rodeó a Fincher en La red social y Millennium; Jeff Cronenweth, mostrando una oscura e intranquila fotografía; Kirk Baxter y Angus Wall, en montaje, y destacando el plano musical, la inquietante y tensa banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, que envuelven esta última prueba de fuego de Fincher, dándole la forma final de un apoteósico, cruel, perverso y redondo thriller.

Datos a tener en cuenta:
Director: David Fincher
Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Kim Dickens, Patrick Fugit, Carrie Coon, Missi Pyle, Kathleen Rose Perkins, Scoot McNairy, Sela Ward, Emily Ratajkowski, Lee Norris...
Género: thriller
Nacionalidad: estadounidense
Estreno en España: 10 de octubre de 2014
Duración: 145 minutos aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 16 años
Valoración personal: 9,5

'Vivir es fácil con los ojos cerrados' cruzará el charco para pelear por el Oscar

Vivir es fácil con los ojos cerrados, la presente vencedora de los premios Goya, es la película elegida por la Academia de Cine para representar a España en la lucha por alzarse con el Oscar a Mejor película de habla no inglesa en su 87ª edición. La cinta dirigida por el cineasta madrileño David Trueba ha superado en la terna final a sus dos contrincantes: 10.000 km, de Carlos Marqués-Marcet y vencedora en el Festival de Málaga, y El niño, de Daniel Monzón, cuyos resultados en taquilla han desbancado los primeros registros de 8 apellidos vascos.

El nombre de la ganadora se ha dado a conocer en un acto celebrado en la sede madrileña de la Academia de Cine, de la mano de los actores Álex González (Alacrán enamorado, El príncipe) y Aura Garrido (Stockholm), quienes han posado para los medios junto al presidente de la institución, Enrique González Macho, y la notaria Eva Sanz del Real. Entre los espectadores que asistieron a la lectura, se encontraban representantes de las tres candidatas. Por Vivir es fácil con los ojos cerrados se encontraban la productora Cristina Huete -cuñada de David Trueba- y el actor Javier Cámara, quienes se emocionaron notablemente al conocer la elección de su filme.

En el acto celebrado posteriormente con la prensa han manifestado la intención de "hacer todo lo posible por estar allí. Me siento llena de esperanza y muy agradecida a todos los académicos que nos han votado. Es un gusto haber estado en esta carrera con dos grandes producciones y tan diferentes, ya les tocará…”, ha asegurado una sonriente Cristina, quien no dejaba de bromear con Javier Cámara sobre las opciones reales de aparecer en la gala del año que viene. "Nos va a tocar ir nadando a Hollywood: Javier, ¿sabes nadar?”. Javier Cámara, por su parte, ha reiterado que “no hay películas grandes ni pequeñas: hay cine” a la par que ha mostrado su apoyo incondicional al cine español, "vivo a pesar de ser nefastamente apoyado. A pesar de todas las dificultades, tenemos que quedarnos con eso".

Vivir es fácil con los ojos cerrados se llevó seis premios Goya, entre ellos Mejor película, Mejor director, Mejor actor protagonista (Javier Cámara), Mejor actriz revelación (Natalia Molina), Mejor guión original (David Trueba) y Mejor música original (Pat Metheny). Protagonizada por Javier Cámara (Hable con ella), Natalia de Molina (pendiente de estrenar Cómo sobrevivir a una despedida), Francesc Colomer (Pa negre) y Ramón Fontserè (Soldados de Salamina) cuenta la historia de Antonio (Cámara), un profesor de escuela seguidor de The Beatles, que usa las canciones de los FabFour de Liverpool para que sus alumnos aprendan inglés. Cuando le llega la noticia de que John Lennon se encuentra en Almería grabando una película decide emprender el viaje para conocerlo y hacerle una inusual petición. En la ruta, se cruza con Belén (Natalia de Molina), que se ha escapado de la turbia reclusión a la que está sometida por su familia, y con un pasado del que huye. Ambos se topan con Juanjo (Colomer), un adolescente también fugado de casa. El resultado de esta aventura tiene de fondo el tema Strawberry Fields Forever, el tema escrito por Lennon sobre su infancia en Liverpool.

Fotografía de portada cedida por Academia de Cine. ©Enrique Cidoncha
 

'15 años y un día', la apuesta española para los Oscar

La Academia de Cine ha decidido que 15 años y un día, la última película de la directora Gracia Querejeta, sea la apuesta española para competir en la próxima edición, la 86ª, de los Premios Oscar. Es, a su vez, la elegida para representar a España en los Ariel que celebra la Academia mexicana. Un doblete que se ha dado a conocer en la sede de la Academia de la mano de los actores Unax Ugalde y Leticia Dolera.

Como situación especial, este año la Academia destacó en la terna de nominaciones cuatro películas (15 años y un día, Alacrán enamorado, La gran familia española y Caníbal), en lugar de las tres habituales, situación que sí se ha respetado en las nominaciones a los Ariel. La cinta de Gracia Querejeta, hija del productor Elías Querejeta, triunfó en la pasada edición del Festival de Málaga, donde se alzó con los principales premios del certamen, entre ellos la Biznaga de Oro a Mejor película y las Biznagas de plata a Mejor guión, Mejor banda sonora original y Premio de la Crítica.

Unax Ugalde y Leticia Dolera, mostrando las elegidas ante los medios

Posterior a la elección de la película, se han acercado a la Academia su directora y Gerardo Herrero, productor de la misma, para atender en rueda de prensa a los medios acreditados. La elección de la película les ha pillado por sorpresa a ambos, pero coinciden en atender que a pesar de ser una cinta pequeña -su metraje es de hora y media- es una película profunda e importante. Gracia Querejeta, quien recordó a su padre -productor de varias de sus películas-, añadió que 15 años y un día "no es una película aleccionadora ni tópica. Sino un intercambio de aprendizaje".

El productor Gerardo Herrero y la directora Gracia Querejeta

El productor Gerardo Herrero espera que la elección de la película la lance internacionalmente. Además de la próxima redifusión en salas, empezará una fase de promoción en Estados Unidos para intentar que la película cause una buena impresión. Herrero, que también produjo El secreto de sus ojos, ganadora del Oscar a Mejor película de habla no inglesa por Argentina, asegura que la Academia ha sacado adelante una buena candidatura. La presencia en el filme de Maribel Verdú, que repite nuevamente con una película candidata tras Blancanieves, puede ser -continúa- un aliciente para darle una segunda oportunidad a la película fuera del país. Con todo ello, 15 años y un día, marchará a Hollywood, donde se enfrentará al resto de competidoras, a la espera de hacerse un hueco en la terna final de las nominadas al Oscar.

La directora Gracia Querejeta estuvo seleccionada por la Academia en la terna previa para los Oscar con Siete mesas de billar francés en 2008, nominación que ganó finalmente Los girasoles ciegos de José Luís Cuerda. Hasta la fecha, España ha ganado cuatro estatuillas en la categoría de Mejor película de habla no inglesa: Volver a empezar (José Luís Garci, 1982), Belle Époque (Fernando Trueba, 1993), Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999) y Mar adentro (Alejandro Amenábar, 2004).