Crítica de 'Perdida'

Cada estreno de David Fincher (Denver, 1962) es esperado como agua de mayo. Es uno de esos directores que ha aprendido de los errores y ha ido mejorando con cada paso dado, exprimiendo al máximo cada historia que ha ido cayendo en sus manos, amoldando de tal manera sus películas que triunfan en taquilla y embelesan a espectadores y críticos. Lo hizo con Seven, El club de la lucha, Zodiac, en menor medida con El curioso caso de Benjamin Button, y por último con La red social, quizá el momento más importante de sus últimos años tras las cámaras. Ahora se presenta, después de su paso por varios festivales, con Perdida (Gone Girl), un thriller basado en la novela homónima de Gillian Flynn, guionista de la película, y protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike. Fincher vuelve a lograr una revolución audiovisual con algo de calidad y comercial. Con sus matices y clichés, con sus momentos dulces y tensos, la historia urde en los fondos más fondos de la relación de pareja, no exenta de broncas, donde a menudo la respuesta más sencilla no es siempre la correcta.

En el día de su quinto aniversario de boda, la escritora Amy Dunne (Rosamund Pike, Muere otro día), desaparece sin dejar el más mínimo rastro. Su marido, Nick Dunne (Ben Affleck, Argo), también escritor, pero en el paro, denuncia la desaparición de su esposa ante la policía. Se procederá a extender todos los recursos posibles para descubrir el paradero de Amy, pero a medida que pasan los días, las sospechas de los investigadores empiezan a volver la cabeza hacia Nick, quien ha podido mentir a su familia, sus vecinos y a la policía durante la investigación, que quizá no está dirigida a resolver la desaparición de Amy, sino su asesinato. En sus casi dos horas y media de duración, el espectador es testigo de una película enigmática y perturbadora, en la que el peso de la trama no anda equilibrada entre Ben y Rosamund, pues es la protagonista femenina quien acaba con el mayor peso dramático, punto a su favor en la carrera de fondo hacia los Oscar. Su personaje de tintes maquiavélicos es arrebatador y bello, pero inestable, inquietante y conmovedor. Esa dualidad entre el bien y el mal hacen de Amy un personaje de talla que se come cada escena, no solo por sus diálogos sino también por la cualidad blindada por Fincher para el lenguaje no verbal del guión firmado por Flynn.

Quizá con este filme, Ben Affleck pasa del famoso argoderse a perderse. Su personaje baila al son del secretismo, de la acción detectivesca de una perspicaz pero algo entroncada Rhonda Boney (Kim Dickens, Perdidos) y de la necesidad de demostrar su inocencia encarecidamente ante la opinión pública y su hermana Margo (Carrie Coon, The Leftovers). Pero si hay alguien que explota cada minuto en cámara ese es el papel de Desi Collins, un ex novio de Amy y segundón al que da vida un notorio e irreconocible Neil Patrick Harris (Cómo conocí a vuestra madre), quien ofrece una vertiente dramática, enigmática y algo pagafantista. Así mismo, Perdida es continuación del buen trabajo técnico legado por el equipo que rodeó a Fincher en La red social y Millennium; Jeff Cronenweth, mostrando una oscura e intranquila fotografía; Kirk Baxter y Angus Wall, en montaje, y destacando el plano musical, la inquietante y tensa banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, que envuelven esta última prueba de fuego de Fincher, dándole la forma final de un apoteósico, cruel, perverso y redondo thriller.

Datos a tener en cuenta:
Director: David Fincher
Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Kim Dickens, Patrick Fugit, Carrie Coon, Missi Pyle, Kathleen Rose Perkins, Scoot McNairy, Sela Ward, Emily Ratajkowski, Lee Norris...
Género: thriller
Nacionalidad: estadounidense
Estreno en España: 10 de octubre de 2014
Duración: 145 minutos aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 16 años
Valoración personal: 9,5

Crítica de 'Torrente 5. Operación Eurovegas'

Corrupción a destajo, blanqueo de capital, aumento de impuestos, crisis social, política y económica, rebaja de leyes permisibles con el juego, Eurovegas y el pseudoprofeta de Adelson, el caso Palau, el aeropuerto de Castelló, sobresueldos, Bárcenas, Urdangarin, la independencia de Cataluña, los problemas del IVA, la recesión y el euro... Demasiados problemas juntos para hacerles frente. Cualquiera que viera todo ello, en las circunstancias actuales de España, se llevaría las manos a la cabeza y pediría que la cosa terminase cuanto antes. Otros, locos quizá -pero les va el negocio en ello-, ven necesario mezclar todo y sacar un producto lisérgico que mostrar a la gente y que la permita reírse de la penosa situación. Santiago Segura ha dado, después de dos intentos nefastos, con la tecla adecuada, dirigiendo una secuela mordaz, ácida y rellena de cameos amigos que remonta el vuelo del personaje más patán y casposo de la cinematografía castiza.

Ambientada en 2018, con Rajoy al frente del Gobierno y Pablo Iglesias como líder de la oposición, con una Cataluña independiente y finalista del Mundial, España fuera de la Unión Europea, del euro, con una nueva peseta en circulación y el sueño del Eurovegas ya cumplido, José Luis Torrente sale de prisión, un lugar privilegiado dada la situación de esa hipotética pero cercana visión de la España futurista. Tras reencontrarse con Currito y su primo, a quien da vida un más que creíble Jesulín de Ubrique, planean dar el golpe del siglo a un casino, y para ello requieren de la ayuda de John Marshall (bienvenida de Alec Baldwin al cine español), un antiguo encargado del sistema de seguridad, quien a su vez necesitará de un equipo reunido por Torrente para asegurarse el plan. Un plan made in Spain que roza lo cafre y paródico, imitiando al cine de Steven Soderbergh, de quien maman Ocean's Eleven (2001), película que Torrente no asocia sino con La cuadrilla de los once (1960, Lewis Milestone), con Frank Sinatra; aunque el carácter berlanguiano de Torrente 5 empuja a hacer piña con La pandilla de los once (1963, Pedro Lazaga).

Quizá le ha costado dos intentos, pero Segura ha conseguido una secuela diferente, en la que la basta crítica social que emana es protagonista muda, presente en muchas de las acciones y motivaciones de los personajes, sin olvidar los gags y guiños propios de un icono identitario de la España cañí. Los amiguetes que en las diversas entregas reúne son la crema del pastel. Más allá del argumento simploide que arma la película, las actuaciones de sus secundarios resultan necesarias para arrancar la locomotora y sacar, por descontado, las risas del personal. En este caso, uno disfruta viendo a Tomás Roncero como seleccionador de Cataluña, el retorno de Neus Asensi y la siempre querida Chus Lampreave, a Chiquito de la Calzada -donde esté, bienvenido es-, a Carlos Areces tirando de libro de estilo de Muchachada Nui, el reencuentro de Pajares y Esteso, como si de un mal sueño se tratase o una secuela innecesaria de Los bingueros (1979) o Todos al suelo (1981). No podía faltar los guiños hacia El Fary y especialmente hacia Tony Leblanc, cuyo homenaje en la película es sincero y sentido. Retomando lo antes dicho, Alec Baldwin interpreta más que correctamente el papel que se le encomendó, igual que Jesulín de Ubrique, con cameo de la mujer y guiño a la ex parienta por descontado. Si Segura es listo sabrá que a la quinta ha conseguido su objetivo. Va la vencida, por fin. No hay por qué alargar más, es un buen cierre. Eviten las letanías quienes pidan una próxima entrega.

Datos a tener en cuenta:
Director: Santiago Segura
Reparto: Santiago Segura, Alec Baldwin, Jesulín de Ubrique, Julián López, Anna Simón, Angy, Florentino Fernández, Fernando Esteso, Carlos Areces, Cañita Brava, Barragán, Chus Lampreave...
Género: comedia
Nacionalidad: española
Estreno en España: 3 de octubre de 2014
Duración: 105 minutos aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 16 años
Valoración personal: 6

Crítica de 'Guardianes de la Galaxia'

Marvel se coronó en 2012 cuando estrenó Los Vengadores. Era el punto álgido de la compañía, la película destinada a congregar a la crème de la crème de la factoría de los cómics, el largometraje definitivo de superhéroes. Han pasado dos años y su legado perdura como una resaca, se sigue recordando los momentos buenos -y lúcidos-, pero el frenesí dejó paso a un vacío que solo pudo llenarse a medias con la confirmación de la secuela, prevista para 2015. ¿Y hasta entonces? Marvel debía lanzar un farol. La propuesta, simple, de la casa, parecía descabellada para muchos que desconocíamos este apartado de la compañía: desempolvar los viejos cómics y reclamar la aparición de otros héroes dispuestos a entretener al espectador, cuales cheerleaders, hasta la vuelta al campo del primer equipo, el de los galácticos de Iron Man, Hulk, Thor, Viuda Negra, Capitán América, Ojo de Halcón, Capitán Furia y compañía. Una apuesta arriesgada, bendecida por Kevin Feige y defendida por lass recaudaciones estratosféricas que rodean a Marvel, y que ha sido el bombazo internacional del blockbuster en la gran pantalla en lo que llevamos de 2014 (y espera que no sea el de la década): Guardianes de la Galaxia.

"Todos los héroes tienen un pasado", reza el eslogan promocional de la película. Incluso su director lo tiene. Suena descabellado pensar que James Gunn acabara dirigiendo Guardianes de la galaxia, aunque interés había tras dirigir y escribir Super (2010). Más apartado aún -y anécdotico- es su papel como guionista de Scooby-Doo y su secuela, y como creador de una serie web donde dirigió a las pornstars Belladona y Sasha Grey en 2008. Pero sí, Gunn confirmó y demostró ser capaz de darle una vuelta de 180º al asunto y reconvertir una película de superhéroes en algo diferente, retro y cañero, donde hasta sus guiños a la cultura, a la música y al cine de los 70 y 80 son pequeñas joyas (el inolvidable walkman, el muñeco troll, Alf, Las tortugas ninjas...), algo que también se puede apreciar en su variada banda sonora (aka Awesome Mix), donde se entremezclan temas de The Runaways, Jackson 5, David Bowie o Blue Swede, entre otros. Un compendio musical acorde a cada momento de la película.

Aunque Guardianes de la galaxia es una película coral, el peso de la misma recae en su principal protagonista, Peter Quill (Chris Patt, Parks & Recreations), mitad terrícola mitad extraterrestre, abducido en los ochenta por el pirata espacial Yondu, quien le acogió con los suyos y con el que se convirtió en saqueador intergaláctico. Casi tres décadas después de abandonar la Tierra (donde sí, Los vengadores están haciendo de las suyas) recibe el encargo de robar un orbe, un preciado botín que también buscan los secuaces de Ronan el acusador (Lee Pace, El Hobbit) un enigmático personaje, lugarteniente de Thanos (a quien pone voz Josh Brolin y cuya aparición pone de manifiesto los hilos que tejen el universo de Marvel, véase Los vengadores, nuevamente). Yondu, viendo que Quill ha desobedecido las órdenes al ir por su cuenta a por el objetivo, pone precio a su cabeza. También lo busca Gamora (Zoe Saldana, Avatar), lugarteniente de Ronan que va en busca del orbe con otras intenciones. En mitad de este camino, dos particulares secuaces, un mapache alterado genéticamente, Rocket (a quien pone voz Bradley Cooper, El lado bueno de las cosas) y Groot, una planta compinche de su amigo roedor (a quien dobla en varios idiomas Vin Diesel, A todo gas), quieren capturar a Quill para cobrar la recompensa puesta por Yondu. Los cuatro acabarán en una cárcel de máxima seguridad donde se toparán con Drax (el ex luchador de la WWE, Dave Bautista), deseoso de venganza tras la muerte de su familia a manos de Ronan.

Con las referencias culturales antes expuestas, es preciso destacar de dónde mama Guardianes de la Galaxia. Es inconfundible, pues, la esencia y la herencia recibida de George Lucas y la Guerra de las Galaxias, algo que respira por los poros y que se hace evidente en varios momentos de la película, como la escena donde se prepara el ataque contra la Dark Aster, la nave de Ronan, con tintes a Luke Skywalker y la resistencia contra la Estrella de la muerte. Es una producción que homenajea constantemente al cine de superhéroes, y que rebasa en acidez a sus predecesoras (a las que hace guiños notables, véase la disputa por el 12% del plan, que recuerda a Iron Man y Pepper Potts) con unos diálogos que devuelven al género el humor gamberro, cortante y descarado gracias a unos secundarios pringados (Rocket en especial) que van abandonando sus prejuicios en pos de una acción común de la loca patrulla de la galaxia parida por Gunn. Todo ello sin abandonar la parte de acción, que si bien es verdad puede ser más lenta en desarrollo, no se queda corta en varios aspectos, incluyendo el archiconocido discurso de heroicidad ante los malos, pura rutina. Como anécdota, destacan los detalles apartados sobre Gamora y Quill, del que hay un intento de una relación amorosa, más ineficaz que otra cosa debido a la inoperancia de él y a la brutalidad de ella, llegando a ponerse de acuerdo solo en vagas referencias a Kevin Bacon y a la gente estirada de Footlose.

En su conjunto, Guardianes de la Galaxia va mucho más allá que Los Vengadores. Mientras los segundos copan este planeta, la necesidad de Marvel de conquistar nuevos espacios, nuevos universos y dotarles de héroes, villanos y multitud de seguidores, sitúa a los guardianes en la vanguardia de la novísima generación de la factoría. Han puesto la quinta marcha y nada les puede detener.

PD1: tienes a Stan Lee detrás, ¡no te gires!
PD2: ver una película de Marvel tiene una única condición: hay que ver más allá de los créditos finales.

Datos a tener en cuenta:
Director: James Gunn
Reparto: Chris Patt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel (voz), Bradley Cooper (voz), Lee Pace, Benicio del Toro, Michael Rooker, Karen Gillan, Glenn Close, Josh Brolin (voz)...
Género:
Nacionalidad: estadounidense
Estreno en España: 14 de agosto de 2014
Duración: 121 minutos aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 13 años
Valoración personal: 9

Crítica de 'Stockholm'

Hay veces en las que el séptimo arte te da agradables sorpresas. Y películas como Stockholm, una cinta de bajo presupuesto financiada mediante crowdfunding, demuestran que con relativamente poco se puede lograr un gran resultado. La última cinta del joven director Rodrigo Sorogoyen (8 citas) consigue acertar en la diana al darle la vuelta a la historia tópica de chico conoce chica. Protagonizada por Javier Pereira y Aura Garrido, Stockholm no es lo que a primera vista aparenta ser. Se ha conseguido elaborar una historia profunda que en pantalla alberga aún más profundidad y dedicación. Dada la situación por la que pasa el actual cine español, la película es una apuesta arriesgada, pero inteligente, que sabe jugar magistralmente, y con elegancia -que es más complicado-, sus cartas, obligando al espectador a que se sitúe en el trasfondo en el que discurre, a que analice a conciencia a sus dos protagonistas y a que lea entre líneas los diálogos y haga hincapié en la comunicación no verbal.

Sorogoyen proyecta Stockholm como una película generacional. Pero también como una invitación a contemplar el comienzo de una relación cualquiera, a la par que subraya el peligro que estas corren en la actualidad debido a la superficialidad y al pasotismo con las que muchas veces son tratadas. Nada es lo que parece ser, ahora blanco y después negro. La película tiene una particularidad, y es que es el resultado de dos historias muy diferenciadas que, de no ser por el nexo de unión entre ellas, podrían tirar por caminos diferentes e igualmente serían brillantes. Pero ahí es donde está lo más rocambolesco y brillante de Stockholm: su forma de romperse a mitad de metraje, algo que a muchas películas les falta llevar a cabo. Una particular salida a los acordes de La gazza ladra de Rossini, en el que planos y música cuadran a la perfección, permite mantener el nivel durante la transición que deja una noche de fiesta y da paso a la mañana siguiente.

El merito de que todo encaje, de que cada escena y cada conversación sea cercana al espectador, es de los dos pilares sobre los que se apoya la película: un más que creíble Javier Pereira y una arrebatadora y enigmática Aura Garrido, que ilumina con luz propia una historia plagada de sombras y oscuridad. Es notable el esfuerzo de ambos actores para sacar adelante interpretativamente este proyecto para nada sencillo. Stockholm es una historia de matices, de momentos tan buenos -la conversación en la escalera o la azotea- como corrientes -el paseo nocturno por Madrid. Quizá haya que achacarle una cosa, y de ahí que no ronde la perfección, y es que parece que no le han dedicado una mayor preparación a introducir el final, que una vez ejecutado es perfecto y redondo en sí. Será interesante ver si el cine español se aventura con más proyectos así.

Datos a tener en cuenta:
Director: Rodrigo Sorogoyen
Reparto: Javier Pereira, Aura Garrido...
Género: drama
Nacionalidad: española
Estreno en España: 8 de noviembre de 2013
Duración: 92 minutos aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 16 años
Valoración personal: 9,5

Crítica de 'Blue Jasmine'

Hacía mucho que Woody Allen no volvía a su casa, aunque fuera para mostrarnos en flashbacks la fatalista vida de la protagonista de su última película, Jasmine (Cate Blanchett, El aviador). Tras un tour de claroscuros europeos entre Londres, Barcelona, París y Roma, esta nueva pincelada del director neoyorquino traslada la acción a la Costa Oeste y a la ciudad de San Francisco. Una apuesta propia de este director que casi de forma autómata genera en su cabeza una historia de contraste, de momentos geniales con pecados fatuos. Blue Jasmine no es la obra maestra que todo el mundo dice ser. Algunos creerán que la historia es perfecta, con sus risas, su drama y sus subtramas con secundarios notables, todo perfectamente dividido en tres actos, pero en mi cabeza furula el final de Midnight in Paris y el prejuicio de que después de finales como ese de Allen, el resto parecen no cuajar tan bien.

En esta historia, se nos muestra la vida de Jasmine, una mujer glamurosa de las altas esferas de Nueva York que se ve, de la noche a la mañana, sin nada. Con la vida nefasta que le ha dejado su marido Hal (Alec Baldwin, A Roma con amor), mujeriego y defraudador de Hacienda, decide marcharse a San Francisco para encontrarse con su hermana, Ginger (Sally Hawkins, Happy-Go-Lucky), la única familia que tiene, e intentar salir del agujero en el que se encuentra con un profundo cambio de aires. Pero a Jasmine le cuesta mantener la compostura ante una vida tan negativa, en la que sobrevive a costa de antidepresivos y cocktails y con miedo por su futuro incierto y con el pesado recuerdo de un pasado que ella cree aún de ensueño. Volviendo a la tierra, Allen ha intentado -con esfuerzo, no lo pongo en duda- mostrar una historia a ras de suelo, cercana y de contraste entre las capas altas y la gente humilde, pero peca -y gravemente- en sugerir subtramas que no hacen sino complicar el laberinto que es Blue Jasmine. Woody Allen sigue transmitiendo a sus trabajos ese desparpajo y humor ácido que sólo él sabe dar, y también en Blue Jasmine desata una particular crítica a un estamento social que anda corrupto y al que destapa su crisis para mostrar cómo es en realidad.

Como dije antes, hay subtramas que pueden aburrir, como lo son las partes del dentista y del amigo pedante de Chili (Bobby Cannavale), porque escriben por encima de la principal con resultados negativos. Centro la atención en dos secundarios que hacen posible gran parte de la película, Sally Hawkins y Bobby Cannavale. Son la antítesis de la protagonista: de clase baja, con lenguaje de la calle, sin un futuro prometedor... y además la parte cómica de esta comedia dramática. Una pareja interpretativa que se complementa a la perfección, como queda demostrado en las escenas del puerto y del supermercado. Pero si alguien destaca -y mucho- es Cate Blanchett. La actriz australiana consigue estar sublime en un papel que ha sabido explotar magistralmente. Puede sonar descarado asegurar que es su mejor trabajo en bastante tiempo, y que incluso supera al de Dylan en I'm Not There (2007), pero es lo que hay. En la película no vemos en ningún momento con Cate, sino a su psicótica gemela Jasmine. Una mujer sola en el mundo que lleva de equipaje su turbio pasado, y que en su presente se muestra de capa caída rodeada de múltiples paranoias y soliloquios, de botellas y pastillas. En el aspecto interpretativo, Blue Jasmine es de sobresaliente, siendo Cate Blanchett la lista de la clase con una matrícula de honor. Sin duda la película huele a segura nominación al Oscar para Cate Blanchett, un reconocimiento que viene acompañado de los acordes de la canción de su personaje, Blue Moon.

Datos a tener en cuenta:
Director: Woody Allen
Reparto: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Peter Sarsgaard, Bobby Cannavale, Andrew Dice Clay, Michael Stuhlbarg...
Género: comedia dramática
Nacionalidad: estadounidense
Estreno en España: 15 de noviembre de 2013
Duración: 98 minutos aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 13 años
Valoración personal: 7,5

La nueva versión de Anna Karenina llega a los cines

La afamada obra del escritor León Tolstói vuelve a la gran pantalla de la mano de Joe Wright, director de Orgullo y prejuicio y Expiación, con su actriz fetiche como Anna Karenina, Keira Knightley. Con la peculiaridad de que gran parte de las escenas discurren en un teatro, la nueva versión, coprotagonizada por Jude Law, Aaron Taylor-Johnson, Kelly Macdonald y Matthew Macfayden, con guión de Tom Stoppard, ganador del Oscar por Shakespeare in love, la película se estrenará en nuestro país el próximo 15 de marzo.

Nominada a seis premios BAFTA y cuatro Oscar, la película se llevó en ambos un galardón en la categoría de "mejor vestuario" para Jacqueline Durran.

Un épico desenlace para el caballero oscuro

Gotham vive tiempos tensos. Puede que tras ocho años de ausencia, sin Joker ni Harvey Dent, la estela de Batman se haya apagado, pero en tiempos de tormenta, hay que prepararse para todo, incluso para cerrar la trilogía. Chris Nolan no tenía pensado echar el guante a una nueva entrega de El caballero oscuro, pero es lo que tiene ser creador de una factoría tan rentable, hay que ponerle la guinda al pastel.

Una trilogía que el director británico ha parido desde el papel, en el que ha dejado marcado un sello personal en sus páginas. Cada acción, cada momento de tensión, cada villano, cada relación de soledad, sentimientos y tormentos interiores… Nolan ha acercado al espectador al Batman más humano de todas las entregas realizadas, la más creíble y la más sofisticada. Ya no es sólo la historia, de la cual se desata en un guión pensado para enmarcar, es todo lo que rodea. Si por la vista entra mejor, qué mejor que destacar su fotografía, montaje y, obviamente, los efectos especiales. Sin olvidar a un gran maestro de ceremonias como es Hans Zimmer, capaz de enganchar con cada una de sus composiciones.

El espectador de El caballero oscuro: la leyenda renace es partícipe de un drama épico, acorde a las circunstancias; un testigo único de la última batalla del bien contra el mal.

Nolan no sólo deja una historia oscura, con algún fantasma del pasado, también unos personajes notables, con sobresalientes secundarios. Mención aparte la de Christian Bale, unas palabras bien se merece la nueva incorporación, Joseph Gordon-Levitt. Un personaje con mucho que decir, que si bien puede tener poca presencia en toda la película, cada aparición suya deja el listón muy alto. Igual, incombustible Gary Oldman. El viejo inspector aún tiene mucha guerra que dar, al igual que Sir Michael Caine, señor donde los haya que para muchos seguirá siendo Alfred. Todo ello sin omitir la participación de las dos secundarias en acción: Marion Cotillard (Miranda Tate) y Anne Hathaway (Selina Kyle y Catwoman). Mención para Hathaway, que consigue redimirse como la fiel escudera de Batman en la película, y aunque su fichaje fue anunciado a bombo y platillo, quizá algo más de protagonismo no le hubiera venido mal.

En definitiva, Chris Nolan ofrece más de dos horas y media de trepidante acción, ayudado con algunas escenas graciosas para romper el hielo, pero todo bien el hilado para dejar al espectador pegado a la butaca, prestando atención a cada detalle, a cada gesto, a cada minuto de un final de saga imposible de olvidar. 

Datos a tener en cuenta:
Director: Christopher Nolan
Reparto: Christian Bale, Anne Hathaway, Tom Hardy, Gary Oldman, Marion Cotillard, Michael Caine, Joseph Gordon-Levitt, Morgan Freeman...
Género: acción, thriller
Nacionalidad: estadounidense
Estreno en España: 20 de julio de 2012
Duración: 165 aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 12
Valoración personal: 9,5
 

Las horas bajas del cine español

La Eurocopa tiene todas las atenciones estas fechas. España quiere revalidar el título de Austria del 2008 y, cómo no, la gente se reúne en bares, terrazas y en sus casas para ver los partidos. El fútbol, en estos momentos, ha barrido de toda preferencia ir al cine. Ir a ver una película ha dejado de ser algo habitual al menos una vez al mes. Un factor clave en la situación actual del cine está en la subida de los precios de las entradas, lo que a muchos les echaba atrás para entrar en las salas, y más si era para ver cine español.

Estrenos recientes como Blancanieves y la leyenda del cazador, MIB 3, y quizá no tanto como Los vengadores, han sido de lo más destacado en todo lo que llevamos de 2012. ¿El nexo de unión entre ellos? Hollywood. El poder que ejerce las producciones norteamericanas en Europa es más que conocido. Venden bien sus productos, agasajan al espectador con actores reconocidos y les brindan películas con presupuestos fuera del alcance de muchos, lo que les permite hacer uso de grandes efectos especiales. De esto a lo que hace el cine español hay un trecho muy largo; a años luz de gozar con estas ventajas, se mantiene en un segundo o tercer plano.

Saltan dudas y uno se pone a pensar. ¿Hay falta de ideas? ¿de medios? ¿Sabemos vender bien? No será por directores y actores de renombre. Si España ha conquistado Cannes, los César, BAFTA o los Oscar, es capaz de hacer mucho más, pero las circunstancias que se viven no invitan a pensar en positivo, al menos hasta finales de esta década.

Derivada de la crisis económica del país, el cine español vive la suya particular con drásticas consecuencias. Muchas producciones se han visto reducidas y desechas por falta de financiación (el dato que exponía el ICAA era de 199 a 151 largometrajes producidos en 2011). No sólo se reduce, se ve menos. El último ganador del Goya, Enrique Urbizu, avisaba de ello alegando que “si algo constituye a un país es la cultura, y nos estamos jugando el futuro del cine y de la sociedad”. La paradoja de todo esto está en que los ingresos del cine español son el doble en el extranjero (la FAPAE expone 93 millones de euros en España y más de 185 fuera).

Nuevamente, Urbizu expresaba su malestar diciendo que “exportamos talento y nos quieren más fuera que dentro”. Decía el dicho que “nadie es profeta en su tierra”, y con el cine español tenemos un claro ejemplo. Producciones como Biutiful (González Iñarritu), Midnight in Paris (Woodie Allen) o La piel que habito (Pedro Almodóvar) han sido de las más distribuidas en América. Además de estar nominadas en premios importantes, en taquilla han logrado éxitos en Estados Unidos, México o Argentina, donde el cine español tiene sus seguidores.

El análisis del problema de la taquilla española lo han de llevar a cabo varias partes. Tanto productoras, como distribuidoras, pasando por la Academia de Cine, el ICAA y el propio Ministerio de Cultura, en horas bajas desde hace lo suyo. No se trata de evitar una ‘fuga de cerebros’ de la industria cinematográfica, sino de reflexionar para corregir el rumbo actual y llegar a buen puerto. Hago hincapié en Torrente 4. Ignorada por la Academia, Santiago Segura presentó un producto solvente en pantalla, récord absoluto del cine español en 2011, muy lejos de ser alcanzada, salvo nueva réplica del madrileño. Siendo un producto más que vendible, es un ejemplo para acercar al espectador al cine patrio.

El ex presidente de la Academia, Álex de la Iglesia, en su último discurso como presidente de la misma, en la gala de los Goya, advirtió del reto del cine español, del “innovarse o morir”. Cierto que la existencia de la piratería no invita a confiarse, cierto que el fantasma de la Ley Sinde vaga por doquier, pero ello no es motivo para aunar fuerzas e intentar reflotar un cine que ha dado joyas desde Viridiana hasta Mar adentro, pasando por Todo sobre mi madre y compañía. El país que ha cultivado el cine de Buñuel, Camus, Almodóvar, Amenábar o Medem, entre otros, se merece no caer en un pozo sin fondo. Con la llegada del verano, será lógico que la gente retorne a las salas.

El cine español calienta motores para este nuevo período con la primera que se estrena: Tengo ganas de ti, secuela de 3MSC, basada en los best seller de Federico Moccia. Es más que predecible que la cinta protagonizada por Mario Casas y Clara Lago tenga todas las papeletas para ser el éxito español más rentable del año, quién sabe si superando a su predecesora, como hizo en 2010. Quizá su éxito dé respiro a una industria fatigada, aquejada de una depresión crónica y angustiada por verse en una carrera abrupta sin mucho público que le anime a seguir.

Todo sea dicho, y no quiero terminar sin antes comentarlo. Me da grima pensar que tengamos que apoyarnos en este tipo de películas para salvar la cartelera española, pero gracias a las quinceañeras "moccianas", quizá tenemos una alegría en ingresos.

'MIB 3': regresan los hombres de negro

No hay dos sin tres. Eso es lo que tuvo que pensar Columbia Pictures, productora de la saga Men In Black, al plantearse una vuelta de tuerca con Men In Black 3, que hoy llega a las salas españolas. Éxito a finales de los noventa, la secuela superó las expectativas en el 2002 colándose como una de las más taquilleras ese año con más de 400 millones de dólares de beneficio. Diez años después de la segunda entrega, el afán por resurgir el mito de los hombres de negro ha vuelto a reunir a Will Smith y Tommy Lee Jones bajo la dirección de Barry Sonnenfeld, nuevamente producida por Steven Spielberg, cuyo feeling con el tema extraterrestre es más que conocido.

Tras salvar a la Tierra y hacer frente al monstruo Serleena, en esta última entrega, J (Will Smith) deberá viajar al Nueva York de 1969 para detener a Boris, un criminal alienígena que quiere asesinar a K (Tommy Lee Jones), cambiando así el devenir de la Tierra. J debe encontrar al joven agente K (Josh Brolin) para detener en algo menos de 24 horas a Boris, o podría quedar atrapado en el pasado para siempre.

Un rodaje atípico 
Al contrario que sus anteriores, Men In Black 3 no tuvo consigo un buen comienzo. En 2010, la productora tenía el objetivo de llevarla a cabo en 3-D, tecnología que sigue sin convencer del todo a la industria cinematográfica por su alto coste y escasos beneficios. Con un rodaje complejo, su postergación obligó a los estudios a ampliar en varias ocasiones su presupuesto, dejando un final superior a los 215 millones (ochenta más que su predecesora).

El segundo problema grave estuvo en el guión. En un principio, Ethan Coen fue el designado para escribir la historia de MIB 3, pero diversas circunstancias llevaron a que fuera cesado y sustituido por David Koepp, quien continuó gran parte del guión según se iban desarrollando las escenas y el planning de rodaje. El afán protagonista de Will Smith, cuya acción recuerda a la polémica en El Príncipe de Bel Air, obligó a relegar a un segundo plano al resto de compañeros de cinta, motivando así diversas reescrituras. El propio Koepp llegaría a decir posteriormente que su trabajo con Sonnenfeld y Smith fue “verdaderamente infernal”.

Estas dos características son los principales problemas que más miedo pueden dar a la hora de vender el producto. Primero: en lo financiero hay que esperar hacer buena caja en el mercado internacional, pero en especial en Estados Unidos. Si en las primeras semanas no se consigue recuperar lo invertido, el estudio podría considerarlo un fiasco. Segundo: si la historia no es buena la gente no irá al cine a verla, lo que remite al primer problema. Estas preguntas sólo se podrán responder tiempo después de su estreno.

De un tiempo a esta parte 
Tras la buena acogida que tuvo la segunda entrega, tanto Sonnefeld como los actores decidieron darse un descanso para dedicarse a otros proyectos. El que mejor aprovechó la ocasión dada por Men In Black 2 fue Will Smith, ya que se sirvió del tirón de la película como trampolín para relanzar su carrera artística con películas como Yo, robot (2004), En busca de la felicidad (2006), por el que recibió su segunda nominación de la Academia tras Ali, o Soy leyenda (2007).

Tommy Lee Jones, por su parte, participó en The Hunted al año siguiente de MIB 2, así como en No es país para viejos (en la que trabajó con Josh Brolin) o En el valle de Elah (2007), por la que fue nominado al Oscar como mejor actor.

Nuevas caras 
Además de Will Smith y Tommy Lee Jones, iconos de la franquicia, así como Rip Torn, que vuelve como el agente superior Z; Sonnenfeld trató de incorporar nuevas caras, muchas de ellas ya conocidas, como Josh Brolin, el agente K (Lee Jones) en su juventud. El que fuera el hermano de Mickey Walsh en Los Goonies (1985), perseguido mucho después por un malvado Bardem en No es país para viejos (2007), regresa con un estilo sesentero a la gran pantalla. Su incorporación no fue la única novedad.
En Twitter Lady Gaga y Justin Bieber confirmaron en sus respectivas cuentas que iban a tener sendos papeles en la película como parte de una familia alienígena de la que también formaría parte el director Tim Burton. Otra cantante que hace acto de presencia es la vocalista de Pussycat Dolls, Nicole Scherzinger, como la novia de J. Además de todos ellos, Emma Thompson (Regreso a Howards End, Love Actually o Harry Potter) y Alice Eve interpretan a la agente O en el presente y 1969 respectivamente.

De por sí, la apuesta con estrellas del pop archiconocidas, a pesar del papel minúsculo que tengan, puede salvar la producción y darle a más de un directivo un respiro, ya que muchos de los fans irán a las salas de cine para ver a sus ídolos, como fue recientemente el caso de Rihanna en Battleship.

Los incondicionales de la saga esperan expectantes su estreno tras una década sin noticias de los hombres de negro: trajeados, con gafas de sol y olvidadores. Aquellos cuya misión de proteger a la humanidad de los seres espaciales sin que ésta se entere tienen ante sí un plus en la gran pantalla, la de cerrar una trilogía que guste a los espectadores. Aunque si las malas críticas salen ¿quién dice que no hagan uso del borrador de recuerdos para evitarlas?
 

Mucho más que seis puntos

Este viernes se estrena el primer largometraje de Roberto Pérez Toledo, director conocido por su trayectoria en los cortos que ha decidido, tras dos años de preparación, el salto a la gran pantalla con Seis puntos sobre Emma. Tras su particular periplo insular, estrenándose en Gran Canarias, ha recibido elogios por parte de crítica y público, sumado al cosechado en la península, cuyo resultado podrá ver el público en pocos días, tras su pase de prensa celebrado en Madrid esta mañana.

Cabe destacar que recibió 15 nominaciones previas en los pasados premios Goya, quedándose sin ninguna finalista en la gala. De por sí, el trabajo de Pérez Toledo bien merecía una nominación a mejor dirección novel, que recayó en Kike Maillo por EVA.

Presentada en el último Festival de Málaga, recibió los premios a mejor guión y a mejor actriz en la sección Zonazine para Verónica Echegui, quien tras su paso por Katmandú de Icíar Bollaín, por la que fue nominada al Goya, muestra un recital interpretativo como una invidente cuya máxima ilusión es quedarse embarazada. Además de Echegui, comparten cartel Álex García y Fernando Tileve. El próximo viernes, en todos los cines de España. ¡Le deseamos lo mejor!
 

American Pie, el último regreso de la saga

La saga que cambió el concepto de la comedia juvenil americana regresa a los cines. Hoy se estrena en España American Pie: el reencuentro (American Reunion), la nueva entrega de American Pie, novena de toda su estirpe y cuarta referente a la trama principal. Tras trece años de andaduras, ¿seguirá el fenómeno?

Tras ocho películas habría que considerar si tantas secuelas son buenas para un producto, o alargarlo termina por ser agonizante. Las tres primeras hicieron las delicias de un público al que cautivaron a base de humor y personajes característicos, terminando en la boda de Jim y Michelle, algo que muchos veían como el final perfecto a la trilogía. El fenómeno fue un éxito en taquilla, obteniendo un beneficio de 700 millones de dólares por las tres entregas, algo que pocas comedias pueden decir.

Esas cifras motivaron el pensar que los frutos de American Pie podían dar más, por lo que se decidió ampliar el producto y realizar más películas de la saga. El resultado final derivó en la firma de Universal Pictures por la primera película fuera de la línea, que se vería ampliada a tres más, sin los personajes protagonistas. Todas ellas surgieron a partir de spin off protagonizadas por secundarios de las anteriores, con el actor Eugene Levy, que hacía del padre de Jim Levenstein, como único nexo de unión.

American Pie Presents, Band Camp (2005), trataba la historia de Matt Stifler (Tad Hilgenbrink), hermano menor de Steve Stifler; American Pie Presents: The Naked Mile (2006) y American Pie Presents: Beta House (2007), contaban la historia de Eric Stifler (Jon White) y American Pie Presents: The Book of Love (2009) fueron los títulos de estos experimentos. Cuatro marcas blancas sin el mismo éxito que sus predecesoras.

No sólo ha habido baile de películas, también de guionistas y directores; circunstancias que han influido en unas historias que pudieron gustar más o menos. Detrás de las cámaras, dirigiendo, han pasado Paul Weitz, J.B. Rogers o Jesse Dylan entre otros, siendo los últimos, encargados del retorno de la saga John Hurwitz y Hayden Scholssberg, recordados por codirigir Dos colgaos muy fumaos: fuga en Guantánamo (2008).

Con vistas a recuperar lo perdido y reunir al elenco principal, en 2008 los productores plantearon el resurgimiento del producto estrella de American Pie con la tercera secuela de la original, nuevamente con Jim Levenstein (Jason Biggs), Steve Stifler (Seann William Scott), Michelle Flaherty (Alyson Hannigan), Paul Finch (Eddie Kaye Thomas) y Kevin Myers (Thomas Ian Nicholas). Tres años después, la pandilla más gamberra y alocada de la comedia americana del siglo XXI, que seguía sin madurar, estaba ultimando su vuelta.

Diez años después, la pandilla hacía mucho que no se volvía a ver. Tras terminar el rodaje de la tercera tomaron caminos distintos, volviéndose a encontrar muchos de ellos hace pocos meses, cuando volvieron a retomar los rodajes, donde demostraron que, al igual que sus personajes, los años no pasan en balde, y el feeling y la amistad que se profesan siguen vigente.

Sus carreras artísticas fueron de lo más variopinta. A Seann William Scott, el actor que encarnaba al gamberro de Stifler, se le perdió la pista tras realizar películas como Colega, ¿dónde está mi coche? o Destino final (2000), hasta ahora. Distinta suerte corrió Alyson Hannigan, quien ha sabido jugar muy bien sus cartas, no ya en el cine, sino en la pequeña pantalla, donde ha desarrollado gran parte de su carrera. Recordada por sus papeles de Willow Rosenberg en Buffy Cazavampiros y Angel, su papel de Lily Aldrin en Cómo conocí a vuestra madre, que ahora ultima su séptima temporada, le ha dado a conocer a un mayor público.

Schlossberg, codirector de la película, comentó sobre la nueva entrega que no quisieron hacer una apología a la vulgaridad, alegando que “los directores de comedia se enfrentan a la pregunta de ¿hasta dónde se puede llegar? Y pienso que las únicas que llegan demasiado lejos son las películas malas”. Irónica forma de ver un producto cinematográfico que ha granjeado buenos beneficios en taquilla y un sinfín de seguidores.

Pero quizá sus palabras sean proféticas, ya que el tono nostálgico con el que se narra en la película los comienzos del grupo y el regreso de los chicos a East Great Falls para participar en el reencuentro de ex alumnos del instituto da pie a pensar que su final está cerca. Las sensaciones habidas, el que cada personaje tenga ya definida su propia vida, lejos del resto, y que la extensión de American Pie puede volverse en su contra, hacen imposible verle salida a más historias juntos, por lo que ahora sí, puede haber final.

Cierto que en todas las entregas se ha buscado un humor algo atípico, con chistes subidos de tono y escenas memorables para sus seguidores, por lo que en esta nueva entrega se pretenderá dar pie a soltar la traca final con muchas más bromas, risas y un montón de diversión incontrolable para hacer las delicias de un público al que deben una última función.
 

El hombre sin pasado

Con retraso respecto al resto de países occidentales, el próximo 4 de mayo llega a nuestros cines El hombre sin pasado, la última película del director Lee Jeong-Beom. Avalada por la crítica internacional, ha recibido diversos galardones en Corea del Sur. El título invita a indagar el porqué de dicho nombre, y a medida que se descubren los entresijos de este thriller policíaco, el espectador va descubriendo a un protagonista frío y solitario (Tae-Shik) con un pasado largo e intenso que quiere olvidar, reconvertido en un prestamista del tres al cuarto cuya única amiga es una niña de diez años, So-mi, una ladronzuela de barrio cuya madre, que se dedica a la prostitución, apenas está en casa.

Cuando la madre se ve involucrada en un intercambio de drogas que implica a una mafia surcoreana, con contactos de las mafias china y vietnamita, ésta decide secuestrarla a ella y a su hija, lo que obligará a Tae-Shik a lanzarse en una misión por recuperarlas cueste lo que cueste. No sólo él está interesado en encontrar a sus secuestradores, también la brigada antidroga de la policía, que lleva tiempo detrás del grupo sospechando que sus actividades van más allá del tráfico de drogas. Poco a poco se descubre que también se dedican a la prostitución, al tráfico de niños y a la venta de órganos.

Jeong-Beom, quien además de dirigir ha escrito el guión, presenta una historia sólida que desprende tensión y una estética bien cuidada. Pero además de eso, la película ofrece un sinfín de acción con varias dosis de violencia. Da igual si es en un campo de golf, en un parking o en los baños de una discoteca. Cualquier sitio es bueno para sacar las armas y liarse a tiros. Alguien puede pensar en la similitud con Kill Bill I (Quentin Tarantino, 2003), en la escena de Uma Thurman luchando, katana en mano, contra los “88 Maníacos”, en la última pelea de la película. A falta de katanas, pero con artes marciales de por medio, el director coreano regala al espectador una magistral puesta en escena de lucha con cuchillos.

Si hay algo que sobra en la trama es el personaje del subinspector de policía. Su papel no es relevante, más bien de relleno. Si bien su actitud es la de alguien bonachón y torpe, sus acciones cómicas pueden dejar alguna carcajada, pero hace cojear una historia bien montada.

Muy destacable, tal como aclamó la crítica, es la actuación de Kim Sae-Ron (So-mi), que a pesar de su corta edad plasma ante las cámaras una gran madurez artística. La actriz, que ya debutó en la franco-coreana A Brand New Life (2009), ha sido una de las actrices más jóvenes en desfilar por la alfombra roja de Cannes. Su papel en El hombre sin pasado recuerda, y mucho, al de la protagonista de la película El fuego de la venganza (2004), razón por la cual la han llamado la próxima “Dakota Fanning coreana”.

Tras presentarse en la Mostra de Valencia y en la Casa Asia Film Week de Barcelona, habrá que ver si la cartelera española responde tan bien como lo ha hecho en el extranjero. El hombre sin pasado llegó a ser un récord absoluto de taquilla en Corea del Sur, donde alcanzó más de de seis millones de espectadores, superando a grandes títulos de producciones como Origen o Iron Man 2.

Datos a tener en cuenta:
Director: Lee Jeong-Beom
Reparto: Won Bin, Kim Sae-Ron, Kim Tae-Hoon, Kim Hee-Won...
Género: acción, thriller policíaco
Nacionalidad: surcoreana
Estreno en España: 4 de mayo de 2012
Duración: 119 aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 18
Valoración personal: 7,5

Battleship: tocado y hundido

La industria cinematográfica de Hollywood parece estar pasando por un período de recesión, en el que las buenas ideas escasean. El último ejemplo de ello está en Battleship, que viene a englobar la lista de películas derivadas de la sinrazón de los estudios de realizar remakes o versiones basadas en juegos, como pasó en su momento con Resident Evil (2002). En esta ocasión, presentan una más que insulsa adaptación del famoso juego de mesa “Hundir la flota”.

Atrás queda el acertar con las coordenadas para acabar con el portaaviones de plástico del contrincante. Ahora ha evolucionado haciendo aguas, siendo el protagonista una flota de la marina estadounidense cuyo rival es un batallón extraterrestre.

El director Peter Berg, que repite tras Hancock (2008), mezcla en la coctelera una ficción simple, con un guión de mucho ruido y pocas nueces, de enorme presupuesto y con grandes efectos especiales que harían las delicias del Michael Bay de Armageddon; echa unas gotas de patriotismo americano y, por último, le añade algún artista conocido para que coja sabor, como Liam Neeson o la cantante de pop Rihanna. Sirve el cóctel y da como resultado dos horas de película cuyo sabor es insípido y de fácil digestión.

Cara y cruz con respecto a su elenco: destaca el debut de Rihanna, con un resultado más que aceptable; incomprensible, por su parte, es la actuación de Liam Neeson, cuya estela como actor a sus 60 años, empieza a perderse al aceptar participar en este tipo de proyectos, al igual que ha hecho recientemente con Furia de Titanes 2.

Battleship es una cinta que consigue entretener pero no convencer. Es ideal para el espectador que quiera ir al cine a pasar el rato viendo máquinas futuristas, al estilo de Transformers, y vastas explosiones en el Océano Pacífico, no así para quien busque una historia elaborada y más original.

Datos a tener en cuenta:
Director: Peter Berg
Reparto: Taylor Kitsch, Liam Neeson, Rihanna...
Género: ciencia ficción, acción
Nacionalidad: estadounidense
Estreno en España: 13 de abril de 2012
Duración: 131 aprox.
Clasificación: no recomendada para menores de 13
Valoración personal: 3

'La piel que habito', lo nuevo de Almodóvar en cartelera

JON BURGOA | Madrid
Tras dos años en silencio, el director Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, 1949) vuelve a escena para presentar en nuestras salas su última cinta, La piel que habito. Después del fracaso que supuso Los abrazos rotos y su mala relación con la Academia de Cine, el manchego vuelve pisando fuerte.

La piel que habito fue presentada en mayo en el Festival de Cannes, donde optaba por llevarse la Palma de Oro; y aunque no lo consiguió –recayó en El árbol de la vida– recibió la aclamación unánime de la crítica, abalando nuevamente la genialidad de Almodóvar, quien guarda buenos recuerdos de este certamen, donde ya recogió el premio a mejor director (Todo sobre mi madre) y a mejor guionista (Volver).

Inspirada en ‘Tarántula’ del escritor Thierry Jonquet, el rodaje se terminó el pasado mes de enero. Para este proyecto volvió a contar con Antonio Banderas, a quien dirigió en Mujeres al borde de un ataque de nervios, así como con Marisa Paredes y Elena Anaya, quien ya trabajó en Hable con ella. Terminan completando el reparto Jan Comet, Roberto Álamo y Blanca Suárez.

La película se inicia con el doctor Robert Ledgard (Antonio Banderas), cirujano plástico, quien dedica años de estudios y experimentos a elaborar una nueva piel con la que hubiera podido salvar a su mujer, fallecida por las quemaduras sufridas en un accidente. Para ponerlo en práctico, hay que carecer de escrúpulos; y necesita una cobaya humana y un cómplice. Marisa Paredes será quien le ayude, mientras que su víctima será Elena Anaya.

Cambio de aires
Acostumbrados a un universo característico con sus películas, el carácter oscuro y terrorífico de este ‘thriller’ psicológico es un giro de 360 grados a su forma de entender el cine. Almodóvar ha conseguido a lo largo de su dilatada carrera ser un director afamado, que ha sido criticado pero también recompensado. Y todo ello, sin dejar indiferente. Es por ello que llega a ser su obra más madura y sincera, lo que puede suponer un punto y aparte en su cine.

Por su parte, la crítica la recibe con divisiones. Para Raúl Masa, de ‘Dirigente Digital’, “será una de esas películas que se quiere o se odia, no tiene término medio. A Pedro se le sigue o se le detesta, pero no puede resultar indiferente”.
La opinión de Jon Apaolaza, de ‘Noticine’, dista mucho de la anterior, ya que afirma que “el último trabajo del más universal cineasta español de todos los tiempos no es sino eso, un patinazo en un terreno nuevo en el que el manchego se ha movido con torpeza”.

El efecto que tenga en taquilla La piel que habito determinará si se trata de otro tropiezo del manchego o de una obra amortizada, como lo fue en su momento Todo sobre mi madre o, en menor medida, Volver.

De momento, y con vistas al año que viene, ya ha sido inscrita en la lista que la Academia de Cine publica con los filmes candidatos a representar a España en los Oscar. El próximo 14 de septiembre se conocerán los tres filmes preseleccionados, siendo elegido el definitivo que vaya a Hollywood el día 28 de este mes.

Perdona pero...

JON BURGOA | Madrid

...no me creo que hayas vuelto a sacar otra película, Moccia.
Este miércoles se estrena en España, muchos meses después que en Italia, la secuela de la historia de Niki y Alex que comenzó en Perdona si te llamo amor y que tiene continuación, tres años después, en Perdona pero quiero casarme contigo. Como este viernes es Viernes Santo, la cartelera se traslada a hoy. Parece que tendremos, aprovechando que se estrena en Semana Santa, un particular 'via crucis' con esta película.
Federico Moccia es polifacético. Escritor, productor, guionista y director, entre otras. Una versión antagónica del también polifacético Silvio Berlusconi, propietario de la productora de dicha película, Medusa Film.
Pienso, objetivamente, tras haber visto la película mucho antes que tantas de las quinceañeras ansiosas de ir hoy al cine y gastarse al menos seis euros en la entrada, pudiéndola haberla descargado de PelisYonkis desde hace meses o verla por cachos en el portal de YouTube, que no vale la pena. No aporta nada nuevo, ni antes tampoco. Aunque daré ciertos matices.
No se puede negar el éxito rotundo que han tenido los libros de Federico Moccia. Ha sido un rotundo éxito en ventas en varios países, y en España no ha sido para menos. Éstos, al contrario que los de Crepúsculo, tienen un target más amplio, aunque dirigido principalmente al público femenino, algunos hombres han caido también en estas historias. Pero no a todos convence.
Las películas son un campo de batalla distino. Hacer una versión cinematográfica de un libro es sumamente delicado, si quieres que se refleje la esencia del mismo. Como los libros no aportan esencia, no sé qué habrá echo para aliñar tales películas. Te puedes imaginar que repetir plantel con Michela Quattrociocche como Niki y Raoul Bova como Alex augura ganancia. Genera riqueza, pero poca credibilidad. Salvo raras excepciones, pocos conocemos a una chica universitaria de diecinueve o veinte años a punto de comprometerse con su novio, al que conoció tras un accidente de coche, que tiene cuarenta años, casi la misma edad que sus padres.

Más o menos, ¿cual es el argumento de esta película? Por si alguien está interesado a pesar de lo que pueda exponer aquí en ir a verla.
El amor que se profesan Alex y Niki sigue intacto desde que se juraron amor eterno hace ya tres años. Alex sigue con su trabajo de agente publicitario cosechando éxitos, mientras que Niki ya está en la universidad. A pesar de la diferencia de edad, Alex está convencido de que Niki es la mujer con la que quiere casarse. Y, al principio, Niki también está encantada con la idea. Pero a medida que se acerca la fecha de la boda, las dudas, los miedos e incluso la tentación, hacen acto de presencia. Hasta que, de repente, Niki hace lo impensable.
No sólo se centra en la vida de ellos dos. Sus grupos de amigos también forman parte de la película, y dependerá de ellos varias acciones finales de la película. Ellas, aún en su etapa universitaria. Ellos, como nos podemos ver muchos hombres a su edad; treinteañeros, casados o divorciados, con problemas de pareja irrefutables, intentos de reconciliación, rupturas, nuevos encuentros...

Como antes expuse, el público al que se dirige es, mayoritariamente, femenino. Chicas quinceañeras, o ya superando los dieciocho, soñadoras, optimistas, intentando buscar en sus vidas un reflejo de lo que la ficción hace posible en el papel de Niki. Algún rezagado quedará por ahí. Serán de los pocos. O bien es que le gusta la trama, o va a acompañar a la novia al cine. Obligado o voluntario. Tengo un caso cercano que mientras escribo estas lineas la estará viendo, y no precisamente de forma voluntaria. Puede que salga contento del cine, ya le preguntaré.

Si puedo romper una lanza a su favor, y lo voy a hacer a medias, es el uso de la música en esta película. En la primera, hubo una clara presencia del cantautor Vasco Rossi, así como de Zero Assoluto entre otros. Lástima que en esta última, las espectativas no sean tan buenas. La música es un salvavidas que ayuda a la película a mantener a flote la trama en todo momento. En mi opinión, destaco tres: Per dimenticare, de Zero Assoluto; Ora che non vivo, de Irene Fornacieri; y The thing about love, de Alicia Keys. Su colocación en momentos clave, lo salvan.

¿Seguiremos con el efecto Moccia? Me temo que por un largo tiempo, sí. Entre ésta película, la publicación del nuevo libro, y a expensas de su adaptación cinematográfica, así como de la versión española de Tengo ganas de ti, continuación de la soberbia y grandísima 3MSC (¿se nota la ironía, verdad?), pues nos queda un largo y tedioso período de tiempo a debate.
Nota mental con respecto a su eslogan. A todos aquellos integrados en este mini mundillo que nos ha envuelto, menos 'enamócciarte' y más vivir por uno mismo, sin atenerse a lo que un libro pueda contar. Te ayuda a dejar volar la imaginación, pero los problemas personales y las verdaderas experiencias, de todos y cada uno, no pueden ser recogidas en un libro.

No hace falta explicar el final. Toda comedia romántica se descubre por sí misma, y si lleva por título tal frase, blanco y en botella, blogueros.

Malversionando los cuentos infantiles

JON BURGOA | Madrid

El pasado viernes 15 de abril se estrenaba en nuestras carteleras la versión en carne y hueso de uno de los clásicos de nuestra infancia, el cual muchos nos habrán contado antes de ir a la cama alguna vez: Caperucita roja. Muchos de nosotros conocemos la versión cuasi moderna de esta historia, la que recogieron en el siglo XIX los hermanos Grimm; aunque el cuento parte como una leyenda europea de la Edad Media.
Parece que nos encontramos ante una sacudida por parte de los estudios de Hollywood de versionar todos los clásicos que introdujo en el cine hace décadas, principalmente, Disney. Proximamente, aunque no hay fecha fija, podremos ver en la gran pantalla la nueva versión de Blancanieves, que actualmente está en proceso de preproducción y que estaría protagonizada por Kristen Stewart, aunque tampoco se puede confirmar de momento. Hugh Jackman o Viggo Mortensen entraban en los planes de la productora, pero ambos han rechazado interpretar al cazador.
Quien está al frente de este proyecto es, nada más y nada menos, la directora de la primera película de la saga Crepúsculo, Catherine Hardwicke. ¿Y por qué este detalle? Quien lea esta entrada se puede hacer esa misma pregunta, y es que nos encontramos ante una producción hecha a imagen y semejanza de su gran (como catalogan algunos) obra. Muchos decimos que la batuta de un director de cine marca el ritmo y la forma de hacer una película. Éste es un ejemplo de cómo fastidiar un cuento infantil además de, valga la redundancia, una película. No logra una versión ambientada, y se encuentra a años luz de la más que lograda Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton.
Volviendo al tema crepusculario, comparte cierta temática: paisajes lúgrubes, chica indefensa, hombre lobo... Si no fuera porque sabemos como acaba esta historia, nos encontraríamos ante otro caso de relación zoofílica en el cine.

¿Qué nos cuenta esta película?
Centra la acción en la vida de Valerie (Amanda Seyfried), quien tiene una lucha interna por dos hombres; un forastero del que está enamorada, Peter (Shiloh Fernandez), y el hombre con el que se tiene que casar por un matrimonio concertado, Henry (Max Irons). Peter huye con Valerie cuando descubren que su hermana mayor ha sido asesinada por un lobo que ronda el bosque cercano a la ciudad.
Durante años, la gente había tenido una tregua con la bestia, ofrecíéndole un sacrificio de un animal cada mes. Con la luna llena roja, el lobo ha ido más allá de las estacas y se ha llevado una vida humana. Con hambre de venganza, la gente llama al famoso cazador de lobos, el padre Solomon (Gary Oldman), para que los ayude a matarlo, pero la llegada de Solomon trae consecuencias cuando advierte que el lobo, que tiene forma humana de día, es uno de ellos, y que puede ser alguien cercano a Valerie.

Tiene como principales protagonistas, como antes se ha puesto, a Amanda Seyfried (Mamma Mia!, Querido John) y a Gary Oldman (Drácula, Harry Potter). Un gran chasco que me he dado con Oldman. Aquel que me produjo miedo Hannibal o en Drácula de Ford Coppola ha reducido su semblante a ésto...
Decisión vuestra es la de ir o no ir a ver una variación de Crepúsculo. Al fin y al cabo, esta moderna Caperucita es una mala versión de un cuento de hadas.