Habemus, por fin, Freddie Mercury: Rami Malek

Parecía previsto a ser otro de los tantos proyectos malditos. El biopic sobre Freddie Mercury tenía las papeletas para no llevarse a cabo tras la lista de actores llamados a encarnarle, las idas y venidas en producción y los numerosos apeamientos del proyecto. Que si Johnny Depp, Sacha Baron Cohen o Ben Whishaw... Nada. Hasta hace unos días cuando se confirmó que el proyecto sigue hacia adelante con el actor de Mr. Robot, Rami Malek, como Freddie.

La noticia ha sido confirmada por su director, Bryan Singer, que lo ha hecho oficial a través de una fotografía colgada en su perfil de la red Instagram. Bohemian Rhapsody, como se llamará el biopic, contará con Anthony McCarten, guionista de La teoría del todo, y con el respaldo de los miembros de Queen, productores ejecutivos de la cinta.

#bohemianrhapsody #queen #freddiemercury #brianmay #rogertaylor #johndeacon #grahamking #fox #newregency Looking forward to @ramimalek @whoismrrobot playing #Freddie photo @therealmickrock

Una foto publicada por Bryan Singer (@bryanjaysinger) el 4 de Nov de 2016 a la(s) 3:23 PDT

El filme no tendrá nada que ver con lo que hace tres años empezamos a comentar. No obstante, será un caballo difícil de domar, pues el arte y el carisma de Freddie Mercury es un arma de doble filo a la hora de ser llevado a la gran pantalla. El respeto con el que su nombre sigue siendo venerado casi un cuarto siglo después de su fallecimiento no se pone en tela de juicio.

Aún se desconocen varios detalles sobre cuándo arrancará el rodaje y el resto de actores que compondrán el elenco, así como la línea argumentativa que llevará a cabo. Tanto la vida de Queen como de Mercury daban para muchas películas, y recopilar en una sola los diversos y gloriosos momentos de la banda parecerá complicado.

Si bien se espera que narre los comienzos de Queen, ¿hasta cuándo? podría ser la pregunta. Quizá el mejor momento sea el concierto de Wembley de 1986. Queen llenó por dos noches consecutivas el mítico estadio londinense durante su gira A Kind of Magic. Fue el momento culmen de la banda, la gloria hecha realidad que más tarde vendría a caer tristemente debido a la enfermedad de Mercury.

El musical "Lo tuyo y lo mío" repasa en el Fernán Gómez de Madrid las etapas en la relación de pareja

Desde la soledad al cuelgue y de la estabilidad a las crisis, la comedia musical "Lo tuyo y lo mío", que se estrena mañana el Fernán Gómez, repasa las etapas de una relación de pareja, a la que ponen letra y música desde Rocío Jurado a Raphael pasando por Danza Invisible, Presuntos Implicados o Shakira.

La compañía ConUnCantoEnLosDientes ha presentado hoy su musical, que se estrenó en Barcelona, ha pasado por Mallorca y Valencia, y ahora llega a Madrid, donde estará cuatro semanas. "Lo tuyo y lo mío" lo conforman hasta 75 canciones que representan la "historia estándar de chico conoce a chica", ha explicado el protagonista, Manuel Ramos.

"El objetivo principal es que todas las canciones que suenan, tan diferentes, lo hagan como un hilo conductor", señala Ramos, quien ha bromeado con los medios asegurando que si alguna de las 75 canciones "no emociona", es que el que las escucha es "un ficus".

"La gente se puede identificar en un momento u otro de la obra según el momento que estén viviendo, y cuando pasa todo cobra un sentido muy especial", ha asegurado el director musical y pianista en la obra, Didac Flores.

Por ella pasarán grupos y cantantes tan variados como Rocío Jurado, Raphael, Ana Belén, Karina y Mocedades; Mecano, Danza Invisible o Presuntos Implicados, hasta Chenoa, Shakira y Fangoria o grupos de la escena indie como Delafé y las flores azules, así como el hit internacional "My heart will go on" de Céline Dion.

La obra también está conformada por dos popurrís de 25 canciones cada uno, uno del amor, del "subidón" o "Happy Together", como le apodan los actores en referencia al tema de The Turtles, y el del "se acabó", sobre el despecho, en homenaje a la canción que popularizó María Jiménez.

En su origen, como han aclarado, la obra no iba a ser "una función familiar", ya que estaba destinada a un público de entre 35 y 40 años, pero han comprobado que van a verles "familias enteras".

La compañía realizó el año pasado varias sesiones especiales en Barcelona con motivo del Festival de Eurovisión, en las que los espectadores versionaron canciones de Lady Gaga y se incluyó "Dancing in the rain", la canción de la representante española, Ruth Lorenzo.

Esperan repetir la experiencia este año con Edurne, quien quedó en el puesto 21 en la última edición de Eurovisión con el tema "Amanecer".

'I will always love you', el biopic sobre Whitney Houston

El próximo 17 de enero se estrena en Estados Unidos I will always love you, el biopic sobre la cantante Whitney Houston, fallecida en febrero de 2012. La vida de la artista de Nueva Jersey no fue nada fácil, motivo que ha propiciado la aparición del filme, para indagar en su historia más oscura. La película, dirigida por Angela Basset y protagonizada por Yaya DaCosta, ya cuenta, antes de su estreno, con la negativa de la madre de Whitney Houston.

A pesar de esa negativa, el proyecto sigue en planes de estrenarse ese sábado, con el objetivo de contar su vida, desde los inicios en el coro de la iglesia de Netwark, su ciudad natal, hasta llegar a lo más alto de su carrera profesional y su consiguiente caída, su conflictiva relación sentimental con Bobby Brown (Arlen Escarpeta en el filme), su lucha contra la adicción a las drogas y su muerte, a los 48 años, en un hotel de Beveryl Hills. Aún no hay fecha de estreno para España.

El nombre de la película deriva de la canción por la que quedó inmortalizada El guardaespaldas, que protagonizó en 1992 la propia Houston con Kevin Costner. La película, dirigida por Mick Jackson, tuvo dos nominaciones en los Oscar, ambas en la categoría de Mejor canción original: I Have Nothing y Run to You.

El último adiós a la Tierra Media

El próximo 17 de diciembre, el periplo por la Tierra Media toca a su fin con el estreno de la tercera entrega de El Hobbit, que más allá de un punto y final es el puente de unión, como bien se sabe por el universo de J.R.R. Tolkien, con la exitosa trilogía de El señor de los anillos. Para poner el broche de oro a este viaje, el actor Billy Boyd, el inolvidable Peregrin Truk -Pippin, como le conocimos mejor- que acompañó a la Comunidad del anillo en su largo camino hasta la destrucción del anillo único en Mordor, es el encargado de interpretar el tema de despedida para la Tierra Media. Esta canción, de gran sentimiento, servirá de adiós definitivo -como lo hizo Into the West en El retorno del rey- a una historia que, junto a su predecesora, quedará en el recuerdo.
 

Amy Adams será Janis Joplin en la gran pantalla

A sus 27 años, Janis Lyn Joplin (1943 - 1970) ya se había ganado un rincón en el rock and roll como una de las voces femeninas que más encandilaban al personal. Arrebatadora, con un talante desgarrador e icono de los años 60 y del movimiento hippie, su trágica muerte sumó su nombre al Grupo de los 27, círculo cerrado al que ya pertenecen para la posteridad Brian Jones, Jimy Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain o Amy Winehouse. Su vida, cómo no, daba para ser llevada al cine.

Janis, the way she was (1974), La rosa (1979), con Bette Midler, o Janis & John (2003) son algunos de los ejemplos cinematográficos que han abordado su carrera y vida personal. Pero ya hay noticias para el último filme, que empezará a producirse el año que viene. La actriz italoamericana Amy Adams, ganadora del Globo de Oro por La gran estafa americana, es la elegida para interpretar a Janis Joplin en una nueva película que preparará Jean-Marc Vallee, director de Dallas Buyers Club.

Con el título provisional de Get it while you can, el filme ya estuvo pensado para que lo dirigiera Lee Daniels (Precious o El mayordomo) en 2012. Hasta que se proceda a iniciar el biopic sobre Joplin, Vallee tiene previsto el estreno de Alma salvaje, su última película con Reese Witherspoon, que suena en las quinielas para los Oscar y el rodaje de Demolition, con Jake Gyllenhaal y Naomi Watts.

En marcha el biopic sobre la banda Guns N' Roses

El grupo estadounidense de hard rock Guns N' Roses pasará a engrosar la listas de bandas con un biopic a sus espaldas. La adaptación cinematográfica de la carrera musical de los californianos se basará en la biografía autorizada del grupo, Reckless Road: Guns N' Roses and the Making of Appetite for Destruction, escrita por Marc Canter en 2008 y que abarcará, presumiblemente, desde sus orígenes hasta el éxito de la dupla Use Your Illusion I & II (1993 y 1994 respectivamente).

No obstante, las voces díscolas no podían faltar, y el primero en alzarse en contra de que el proyecto vea la luz es su fundador, líder y vocalista, Axl Rose. El propio Canter ha querido apaciguar los ánimos en el foro dedicado al grupo, MyGNRForum, donde ha asegurado que la película contará con actores de renombre. Por su parte, el medio británico The Guardian afirma que aún se desconocen numerosos detalles, como el estudio, los productores o el director que la llevarían a cabo.

Con esta película, añade Marc Canter, se espera dar respuestas a muchas historias e hipótesis acerca del grupo y su ascenso meteórico a la fama. Guns N' Roses, con 6 discos de estudio a sus espaldas y más de 70 millones de copias vendidas, ha dejado para el recuerdo colectivo musical éxitos como Welcome to the jungle, Sweet child o' mine o November rain. Por sus filas han pasado músicos de la talla de Slash, Izzy Stradlin, Steven Adler, Duff McKagan, Matt Sorum, Dizzy Reed, Gilby Clarke o Paul Tobias.

El primer día del resto de mi vida

Vuelve Duncan Dhu

La pasada noche, el músico Mikel Erentxun anunciaba a través de sus cuentas en las redes sociales como Facebook y Twitter que Duncan Dhu, el grupo que formó junto a Diego Vasallo (bajo) y Juan Ramón Vilés (batería), regresa. La expectación ha sido máxima entre sus muchos seguidores, pues el grupo donostiarra fue uno de los iconos musicales del pop español en la década de los 80, desde que en 1985 sacaran su primer disco, Por tierras escocesas.

Tras la marcha del grupo de Juan Ramón Vilés en 1989, la trayectoria del ahora dúo despegó, llegando a grabar desde entonces hasta siete discos. El último proyecto fue Crepúsculo (2001), donde recopilaron 21 canciones inéditas. Tras su disolución ese mismo año, ambos siguieron con sus trayectorias por solitario, donde ha destacado Mikel Erentxun quien, además de conseguir llegar al número 1, grabó tres conciertos en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia, a modo de fin de ciclo, donde contó con la colaboración de amigos como Ivan Ferreiro, Amaia Montero, Enrique Bunbury y Diego Vasallo.

Duncan Dhu ha sido uno de los grupos nacionales más recordados del último cuarto de siglo XX. Entre sus éxitos más destacados se encuentran Cien gaviotas, En algún lugar, Una calle de París o Esos ojos negros

Fantasy

Hare Krishna, George

Muchos pensarán que The Beatles eran John Lennon y Paul McCartney. Representaron la lucha encarnizada de dos egos –asombrosos, todo hay que decirlo– por hacerse con el timón de un grupo que no solo ha dejado huella, ha hecho historia en la cultura. Pero había música más allá de todas sus canciones, que cualquiera reconocería en pocas frases o acordes, y quien mejor representó la tercera vía, esa alternancia a lo establecido, era George Harrison. Su vida y obra pasaba por desapercibida para muchos que hemos mamado el grupo desde chicos, por el canon establecido, pero gracias a Martin Scorsese, melómano extravagante, se ha dado a conocer los pasos del genio creador de Something y Here Comes the Sun.

Living in the Material World (2011) hace un recorrido bastante completo por la vida y obra de Harrison, desde sus modestos orígenes pasando por sus pinitos en The Quarrymen, la llegada a la fama con The Beatles, las drogas y la influencia hindú, los descalabros finales de The White Album y Let It Be y su trayectoria en solitario. Un proyecto ambicioso que entremezcla declaraciones de Harrison, grabaciones caseras y entrevistas a multitud de personas que compartieron escenarios, confesiones, giras y un largo etcétera con él, como Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono, Dhani y Olivia Harrison, Pattie Boyd y Eric Clapton entre otros.

A pesar de que Scorsese trata la figura de George Harrison con formalidad, no se puede negar su pasado como beatle, y las polémicas que acabaron con la banda británica daban para muchos más minutos que los que el metraje dispone. Algo más de mala leche y los acordes de I, Me, Mine para explicar el pesar de Harrison por los desaires y discusiones que se extendieron hasta los últimos suspiros del grupo no hubieran venido nada mal. Es increíble comprobar cómo el músico más callado del grupo tuviera tanto por mostrar. Gran parte de los trabajos que dejó en su primer trabajo en solitario, All Things Must Pass (1970), son esbozos y proyectos ninguneados por sus compañeros años atrás. La dulzura con la que trató My Sweet Lord, el cabreo –supuestamente– hecho canción en Wah-Wah, la energía de What Is Life o la solemnidad de All Things Must Pass dan nota de la fuerza imponente de un George Harrison acompañado del estrambótico productor Phil Spector y músicos de la talla de Billy Preston, Eric Clapton, su excompañero Ringo Starr o Klaus Voormann.

Dentro del recorrido biográfico que Scorsese realiza, denota el carácter filantrópico del músico, que le llevó junto a Ravi Shankar a realizar el primer concierto multitudinario benéfico para las víctimas de la guerra en Bangladesh en 1971 en el Madison Square Garden. Su divorcio con Pattie Boyd y su posterior relación con Olivia Trinidad, así como su amistad con los Monty Phyton, quienes le deben en parte el proyecto de La vida de Brian (1979) que él financió hipotecando su casa y su estudio. La tristeza por el asesinato de John Lennon, los altibajos de su carrera curados con su hijo Dhani y con la nueva relación con Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne con el grupo The Traveling Wilburys. El ataque que tuvo en 1999 y su lucha contra el cáncer, que acabó con su vida el 29 de noviembre de 2001.

El director neoyorquino ha conseguido a la tercera, tras sus trabajos como No Direction Home: Bob Dylan (2005) y Shine a Light (2008), plasmar la esencia biográfica en el género documental. Un núcleo que compacta la música y la cultura de una generación legada a las sucesivas para descubrir la figura de un músico que expresó todo un mundo cuanta mayor era su libertad creativa. Que creía en el porqué de las cosas, en el equilibrio del universo y la causa-efecto y en el amor como bases para hacer el bien, regla que llevó hasta sus últimos días. Hare Krishna.

Datos a tener en cuenta: 
Director: Martin Scorsese
Reparto: George Harrison, Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono, Olivia Harrison, Eric Clapton...
Género: documental
Nacionalidad: estadounidense
Duración: 208 aprox.
Clasificación: para todos los públicos
Valoración personal: 10
 

Love me do

Quizá no sea la más conocida, la más recordada por los fans, pero sí que fue la primera que los Fab-Four de Liverpool grabaron, catapultando a John, Paul, George y Ringo a la fama como The Beatles, el cuarteto de música más famoso de la década de los años 60. Hoy se cumplen cincuenta años, medio siglo de historia de la música contemporánea, desde que se estrenara este primer single: Love me do.

Compuesta por Paul McCartney en 1958, durante su etapa de estudiante, la insistencia que hicieron John y él fue determinante para que George Martin, su productor, aceptara a grabarla como single. Varias anécdotas rondan sobre esta canción. No se pusieron de acuerdo en seleccionar a un único batería, y grabaron con tres -incluido Ringo Starr- hasta seleccionar al definitivo, así como el toque final de meter la armónica, tocada por John Lennon. La nota histórica está en que la robó de una tienda en Anheim (Holanda). Entonces no lo sabían, pero ese sería el inicio de su historia, que tendría su primer punto álgido un año más tarde, cuando dio comienzo la 'beatlemanía' con aquel She loves you.

En directo desde América, otra percepción de La Oreja

Los más longevos del lugar recordarán aquellos dos conciertos que La Oreja de Van Gogh celebró en la capital en 2003: en la plaza de toros de Las Ventas y en el Palacio de los Deportes de Madrid. Ambos espacios fueron grabados y llevados posteriormente a una edición especial CD + DVD que permitió a muchos seguidores visionar las dos horas que el grupo ofreció.

Nueve años después, con seis discos a sus espaldas y con Leire Martínez a los mandos de los donostiarras, el grupo, afianzado como uno de los más aclamados del pop en español en España y Latinoamérica, lanza otro proyecto ambicioso en directo, grabado durante la gira de 'Cometas por el cielo' que les llevó a México y Argentina. El CD contiene 15 canciones, diez de las cuales fueron grabadas en el Pepsi Center de México D.F.; quedando las otras cinco del concierto celebrado en las ruinas Quilmes de Tucumán (Argentina).

El CD + DVD Cometas por el cielo en directo desde América recoge la grabación en directo de lo mejor del repertorio del álbum de estudio Cometas por el cielo (nº1 en España con más de 50 semanas de permanencia en la lista de los más vendidos y Disco de Platino) y algunas de las grandes canciones de su carrera (La playa, Muñeca de trapo, Rosas, El último vals…), mostrando el impresionante momento por el que atraviesa el grupo.

La Oreja de Van Gogh actúa en la i30 Party

JON BURGOA | Madrid
El grupo donostiarra de La Oreja de Van Gogh participó anoche en la i30 Party, promocionada por la marca Hyundai para presentar el último modelo de su colección, celebrada en la Sala MOMA de Madrid (C/ José Abascal, 56).

La convocatoria, organizada a través de las redes sociales, regalaba una entrada doble para 50 personas en Madrid. Una fiesta que comenzaba poco después de las diez de la noche con la presentación exclusiva del nuevo New Generation del Hyundai i30 por parte de Johann Wald, conocido presentador de la cadena MTV. Los chicos, después de su nuevo periplo por tierras mexicanas para grabar el videoclip de Las noches que no mueren y así promocionar el turismo en la zona de Cancún y el resto de México, fueron recibidos con gran júbilo por los asistentes a la fiesta. A pesar de que se trató de un pequeño concierto en aras a promocionar el vehículo, La Oreja de Van Gogh hizo vibrar a la sala. Con una intro Tecno-Pop que daba paso a Día Cero, de su nuevo disco, siguieron con otra de la etapa de Leire a los mandos, Inmortal.

Volvían a retomar los acordes y sonidos del nuevo disco, y las guitarras de Cometas por el cielo, segundo single, arroparon a Leire que arengó al público a seguirla con los coros; un feedback que da buenos resultados. Tocaba turno de un clásico del grupo vasco y, con La playa, continuaban para enlazarla con Mi calle es Nueva York. La gente seguía respondiendo a Xabier, Pablo, Álvaro, Haritz y Leire, acompañándola en las últimas frases de la canción con más emoción.

Xabier conseguía poner el momento musical al comenzar con su solo Dulce locura, y Pablo con los acordes iniciales de El último vals, llegando a la recta final del pequeño concierto en la MOMA con La niña que llora en tus fiestas. El primer single de Cometas por el cielo terminaba el colofón por todo lo alto. Haritz dejaba la batería para coger el tambor para dar mayor fuerza al sintetizador y a la guitarra de Pablo -sobre todo en el primer puente- que hicieron el resto.

Los chicos terminaban y se despidieron del público, aunque los gritos de "otra, otra" se alargaron poco, cuando Haritz asomó la cabeza por la puerta que les conducía al backstage, dando señal a que ampliarían con un bonus. Puedes contar conmigo fue la elegida para cerrar, ahora sí, la fiesta. Los coros aumentaron y las manos al aire siguiendo la canción no bajaban. Un concierto de alrededor de tres cuartos de hora que hizo las delicias de los allí presentes.

La i30 Party sigue en carretera; y con ella La Oreja de Van Gogh, que actuará el próximo jueves 1 de marzo en Barcelona, en la Sala The Sutton Club (C/ Tuset, 13). El grupo sigue además con su gira; mañana tocarán en el Auditorio Lienzo Norte de Ávila antes de visitar la ciudad condal.

Adiós a Enrique Sierra

El guitarrista y compositor Enrique Sierra, conocido por su etapa en Radio Futura, ha fallecido en el hospital de San Carlos a los 55 años a consecuencia de una larga enfermedad agravada tras un trasplante de riñón. Icono en los años ochenta en la Movida madrileña junto a los hermanos Santiago y Luis Auserón, en los últimos años se estaba dedicando a la producción y gestión de los estudios Diana junto a su mujer, Pilar Román.

Nacido en Madrid en 1957, Enrique fue uno de los pioneros de la música española en los años setenta, fundador de la banda de punk Kaka de Luxe junto a Olvido Gara (Alaska) y Carlos Berlanga. Tras su disolución en 1978, el paso determinante lo puso con Radio Futura, grupo que comenzaba buscando un sonido que les caracterizara, y en el que Enrique jugaría un papel importante.

Eran conocidas las discrepancias mantenidas entre el grupo e Hispavox, su discográfica, de la que terminarían saliendo. Uno de los momentos decisivos de Radio Futura surgió con su segundo disco, que puso los pilares del grupo. La ley del desierto, la ley del mar se caracterizó por unas guitarras potentes cortesía de Enrique Sierra, que brindaba así aires nuevos al grupo y, por ende, al shock de la movida en los ochenta. Su firma quedó puesta en uno de los hits más sonados del grupo, aún recordado por generaciones más jóvenes: Escuela de calor.

Este éxito catapultó su faceta de compositor y guitarrista, que se vio incrementada con otros éxitos como La estatua del Jardín botánico, 37 grados o La flor negra. Tras una década con los hermanos Auserón, Radio Futura termina separándose en 1992. Desde entonces, Enrique Sierra diversificó su carrera editando discos en solitario -lanzó Mentiras en 1995 y formó una banda de rock experimental llamada Klub-, trabajando como ingeniero de sonidos para Rosario Flores, llegando incluso a ganar dos Grammy latinos en 2002 y 2004 por sus trabajos como ingeniero. Fuera de su faceta musical, tuvo una vida artística. Realizó obras y pinturas digitales, llegando a participar en 2011 en el reportaje que TVE lanzó en homenaje a la Movida.

Mikel Erentxun vuelve al ruedo

JON BURGOA | Madrid
El cantante donostiarra Mikel Erentxun, mítico componente de Duncan Dhu, publica hoy su nuevo disco en solitario, 24 golpes. El disco, producido por el ingeniero musical Henry Hirsch, conocido por el último disco de Lenny Kravitz, ofrece ritmos rockeros de los años 70. Un disco retroactivo y básico que califica "como una apuesta no premeditada por el rock clásico".

Un disco atípico. Con un batería de estudio y el mismo productor a los teclados y al bajo, el disco se grabó en un máximo de diez días; algo que Erentxun sostiene como "complicado pero necesario para lograr la frescura del directo". Además de toda la música, Mikel firma la mitad de los temas con aportaciones líricas de cómplices habituales como Jesús María Corman, Rafa Berrio, Lapido o el propio Diego Vasallo.

24 golpes irá acompañado en una primera edición limitada distribuída en los centros FNAC de Electrica PKWY, un disco adicional de corte mas íntimo con temas registrados por Mikel en su estudio casero. En él se alojan aquellas canciones que no tuvieron cabida en el disco principal.

Videoclip de Si te vas, primer single del disco:

'El Drogas' abandona 'Barricada'

JON BURGOA | Madrid
La noticia sorprendía a propios y extraños el pasado viernes. Esta mañana, 3 de diciembre, casualidades de la vida, San Javier, patrón de Navarra, el comunicado de Enrique Villarreal, El Drogas, mítico líder y bajista de Barricada daba la vuelta a varios medios. Decide, tras treinta años de trayectoria, abandonar el grupo para centrarse en el proyecto paralelo que mantenía con Txarrena, formación que vio la luz en 1992.

La desilusión entre sus miles de seguidores está siendo vigente en estas horas, tal y como demuestran los hashtags en Twitter: Barricada y El Drogas.

Como en muchas de estas historias, hay más de una versión que contar. Ya tenemos un antecedente con La Fuga y Rulo, quien formará tras finalizar su etapa en el grupo Rulo y la Contrabanda. Ambas partes hay que escucharlas y de cada uno es el criterio de dar a entender una u otra. Nuevamente, la historia se repite.

El comunicado de El Drogas, dado en la Web de Txarrena, difiere con el transmitido por el grupo de Barricada en su página. Enrique insinúa que "lo han largao". La banda, o lo que queda de ella tras su marcha, difiere de ello. Tras un año sabático no hacen caso a tal comunicado, terminando con un "él interpreta que lo hemos echado. Que cada uno saque sus conclusiones".

Sea como sea, el futuro de ambos aún no se vislumbra. Barricada opta por seguir en su línea y Txarrena puede tener un plus de energía con la entrada de El Drogas. La continuidad de Barricada aún se tambalea, si se sigue leyendo. La marcha de su líder puede significar o bien la retirada, más que digna tras tres décadas de rock, o el cambio de dirección, algo que quizá no gusta a sus fans.

Boni Hernández, Alfredo Piedrafita e Ibón Ibi Segarra afirman que no pueden ni quieren "estar cuatro o cinco años parados, ya que el cuerpo nos pide marcha, y un año de parón ya ha sido más que suficiente para cargar las pilas de nuevo".

Aunque saben que "no va a ser lo mismo", han anunciado que tienen preparados ya los temas para grabar un disco "cien por cien Barricada" en enero y sacarlo al mercado en marzo. "Ahora más que nunca nos toca mirar hacia adelante", concluyen.

El grupo de rock, formado hace más de treinta años en Iruña, aún tenía los latidos de aquellos comienzos de la mano de Enrique Villarreal y Javier Boni Hernández, únicos componentes de aquel cuartero original que aún seguían. Sacaron su primer disco, Noche de Rock&Roll, en 1983, y hasta la fecha han publicado más de veinte discos. Autores de canciones como No hay tregua, En blanco y negro, Oveja negra o Sean bienvenidos, han sido uno de los iconos del rock en español más importante del país.

A continuación, Rebuscando el Norte publica el comunicado de Enrique, "Agur, Barricada".

(Contra)comunicado al (no)comunicado de los (in)comunicados:

Unos dirán que me he ido,

el otro (que soy yo) que lo han largao.

Que todavía tengo en el culo,

algún que otro morao.

Unos parecen afligidos,

el otro (que soy yo) es un manirroto,

que ya no encuentra su sitio

en el momento de la foto.

(Andá! Esto es de Rulo)

Ni dejé ni dejaré nunca

eso que llaman BARRICADA.

Dejo camisa de once varas

y alguna que otra peluca.

Podrá tener muchos nombres,

podrá dar muchas sorpresas,

pero conmigo no cuenten,

que no me vale la pena.

Por su tiempo muchas gracias,

por las idas y venidas.

Ahora me toca comprar la entrada,

y aunque sea un poco a tientas

ya encontraré la salida.

Firman el (contra)comunicado: El Drogas, Ázida, Eva Zanroi, El dr. Gas, Enrique Villarreal, Andalaostiamiraeldelpañuelodebarricada y Un Señor Mayor (Ahora parece ser que con el ex delante).

La vuelta del triunvirato, en duda

Ecos y rumores de una próxima vuelta del trío madrileño Mecano han saltado las alarmas del mundo de la cultura y de la música en España y parte de Hispanoamérica. El anuncio lanzado por José Antonio Abellán en su programa de ABC Radio, ‘Abellán en Punto’, incitaba a hablar del tema en foros y debates especializados, y no tanto, sobre si es verdad o no que las rencillas han pasado a un segundo lugar y que el icono pop de la década de los 80 en España volverá a vivir una nueva etapa de la mano de los hermanos Nacho y José María Cano y Ana Torroja en una gira multitudinaria prevista para el año que viene con más de ochenta conciertos por varios países, algo deseado por sus fans, que anhelaban el regreso de Mecano.

El grupo, formado en 1981, publicó seis discos hasta 1992, año en que decidieron tomarse un tiempo, que tornó en separación tras la gira de su último disco Aidalai, reapareciendo fugazmente en 1998, cuando publicaron Ana, José y Nacho; un doble CD con los éxitos del grupo además de ocho canciones nuevas. Tras la gala de los Premios Amigo de ese año, en la que José María anunció que se retiraba del grupo, el telón bajó sobre el grupo, hasta la fecha.

Proyectos por separado y de diferente resultado han caracterizado a los tres en estos años. El más solvente fue Nacho, quien, además de varios discos en solitario y colaboraciones, ha dado vida a tres musicales; dos de ellos dedicados a su ex grupo Mecano: Hoy no me puedo levantar y En tu fiesta me colé, una versión para los más pequeños, así como A.

José María, además de un proyecto en solitario que no llegó a buen puerto, y un proyecto de ópera ambicioso que terminó por ser una ruina económicamente, ha hecho frente a una demanda de su ex pareja por supuestos malos tratos. Actualmente vive en Londres, donde sigue desarrollando su faceta cultural. Ana, por su parte, ha lanzado también discos en solitario, el último en septiembre de 2010, además de llevar a cabo una gira junto a Miguel Bosé.

La noticia de que pueda producirse una reaparición del grupo a finales de año sólo la saben, de primera mano, los componentes del grupo y José Antonio Abellán, quien dio a conocerlo a los oyentes de su programa, de mano de alguien cercano al grupo; así como Javier Adrados, biógrafo del grupo y agente de Nacho y Ana.

El entorno no oficial del grupo asegura que las discrepancias entre los hermanos siguen vigentes, lo que puede que imposibilitar que se unan para una gira completa. Las suposiciones sobre si es cierto o no ya han hecho sonar los teléfonos de su discográfica, Sony Music, así como de su ‘management’ Rosa Lagarrigue (RLM); siguen intentando en ese objetivo con la misma fuerza de hace veinte años, pero “no hay nada cerrado”. Pasará el tiempo, a la espera de dar sentido a la frase final de El uno, el dos, el tres.

Mecano se consolidó a comienzos de los 90 como uno de los mejores grupos de pop en español, con más de 25 millones de ventas; autores de canciones tan conocidas como Hoy no me puedo levantar, Me colé en una fiesta, Barco a Venus, Aire, Hijo de la Luna, Cruz de navajas, La fuerza del destino, Un año más o El 7 de septiembre.

Coldplay sale por la puerta grande de Las Ventas

JON BURGOA | Madrid
Con las entradas vendidas en apenas dos horas, presuntamente, era de esperar un ambientazo en la madrileña plaza de Las Ventas para ver a Coldplay. Colas, colas y más colas en el coso taurino a pesar de que el tiempo venía prediciendo una noche pasada por agua, algo que no importó a las 17.000 personas que vivieron casi dos horas épicas.

No sólo los asistentes al concierto disfrutaron de la gira de presentación del nuevo disco de la banda británica, Mylo Xyloto (Parlophone), ya que gracias a YouTube y VEVO, millones de personas lo vieron desde sus casas, gracias al dispositivo desplegado y supervisado por Anton Corbijn.

La gente, expectante, dispuesta a compartir un buen rato con los amigos, la pareja y, obviamente, con el grupo. Salen a la plaza con Hurts Like Heaven, canción de su último disco, para seguir a las clásicas Yellow y In My Place, coreadas por el público bajo la batuta de un polifacético Chris Martin; posteriormente tocan Major Minus, Lost y The Scientist, que es aupada por la gente, entregada a Coldplay. “Estamos muy contentos de estar aquí”, remarca Martin para piropear a “una de las ciudades más bonitas del mundo”.

El ambiente rockero emerge y Las Ventas se anima, testigo del primer dúo de guitarras entre Martin y Jon Buckland con Violent Hill, seguido de God Put a Smile Upon Your Face y Paradise, el último single presentado el pasado mes de septiembre, cuyos coros fueron lo más destacado. Se pasó a un número acústico, para volver con fuerza entonando Charlie Brown, Politik y Viva la Vida, tema que pone el listón arriba y marca la épica de la noche, empujado por el público al delirio.

17.000 pañuelos blancos ondearon en la plaza en señal de reconocimiento de un concierto fabuloso, algo que sólo consiguen los grandes toreros en Las Ventas.
La parte final arranca con uno de los himnos del cuarteto, Clocks, magnífica y enérgica. Nuevamente, Chris Martin tiene al público en el bolsillo. Momento de homenaje del grupo a Amy Winehouse, al entonar su éxito Rehab, con el que enlaza a Fix You, cantada a coro, sobresaliendo la parte eléctrica. Una especie de impulso magnético que hizo emocionar a los allí presentes, rematado por un graffiti enorme en el que se escribió “Madrid”, con un corazón sobre la i.

Every Teardrop is a Waterfall pone punto y final a una noche mágica. Coldplay, o más bien Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion, sale por la puerta grande después de una gran faena, aplaudidos por un público que, sin querer despertar de ese idílico sueño, repitieron los coros de Viva la Vida, aún presente en la plaza.

Fotograma de un recuerdo

Después de la rueda de prensa a la que asistí el jueves, las ganas por escuchar el nuevo disco de los donostiarras iban en aumento. Y aunque éramos testigos cada día de un adelanto por Los 40 Principales, la prueba de fuego llegaba en una fecha poca amiga de escépticos, y me incluyo en ello. En este martes, 13 de septiembre, La Oreja de Van Gogh sacaba al mercado su nuevo trabajo: Cometas por el cielo.

He de reconocer sinceramente que los nervios eran altos. La gente omite los pequeños detalles. La publicación de un nuevo disco pasa como algo anecdótico, dentro de la rutina de la gente que va y viene y no se da cuenta de ello. Son pocos los que le prestan un poco más de atención.

Pierdo la cuenta en la noche de los tiempos la primera escucha que tuve de este grupo, no tan desconocido por mí, y con el que he terminado de afianzar lazos de amistad y sangre. El traspiés de mi prima fue lo que encendió una mecha que hoy en día aún sigue emitiendo una llama fuerte. Y es que, al igual que con muchas otras cosas, con este grupo he crecido como persona. Suena muy moñas, muy de su estilo según sectores, pero es verdad; y es algo innegable para mí en este sentido.

De vuelta al punto del nuevo disco, he de reconocer que superó, y con muy buena nota, mis espectativas. Y soy crítico con ciertos aspectos. Y con algo que has tenido de compañía en viajes y lecturas no es para menos. No estará a la altura, me uno a otras personas, del clásico El viaje de Copperpot; claro que no. Ellos mismos lo dicen. Pero siguen siendo La Oreja.

Una sola escucha no es suficiente. Y lo que más me sorprende es que a gente que no le gustaba el grupo, ha sido escuchar cuatro canciones y volver a escucharlas e incluso terminan por comprar el disco. Rasgos que determinan que el cambio de timón se ha hecho, pero que el destino sigue siendo el mismo. Mantener esa seña de identidad inalterable durante casi quince años.

Ayer por la tarde fui a la firma de discos del grupo. Sin duda, una firma multitudinaria. Una de las más importantes del centro y del grupo. No volví con las manos vacías. Ese destello en la mirada de Leire, bien lo sabe Germán, nos cautivó; el buen humor de Álvaro, el recordatorio de Xabier de la rueda de prensa, Haritz y la simpatía de Pablo. Gran guitarrista y compositor y mejor persona. A él le agradezco una parcela de su tiempo para hacerme una fotografía con él, así como que me firmara la púa que utilizaba con mi guitarra y que, en un alarde de satisfacción, he decidido jubilar debido al valor sentimental que tiene a partir de ahora.

Sin duda alguna, fotogramas de un recuerdo imposible de olvidar.

Cometas por el cielo

La Oreja de Van Gogh publica hoy su nuevo disco tras dos años de trabajo: Cometas por el cielo. No deben ser especialmente supersticiosos para elegir esta fecha: martes 13. Verlo mejor como un punto de inflexión y querer dar la vuelta a esas leyendas urbanas sobre dicha fecha, haciendo que sea un éxito. Un éxito que parece puede conseguir.

El pasado jueves, en la rueda de prensa, los chicos no nos ocultaron a los presentes los nervios que tenían por este disco. ¿Gustará, será más de lo mismo, defraudará? Mil opiniones. Todo rumor terminaría cuando viera la luz el nuevo trabajo y, por ende, hoy ha sido el día.

El sexto disco de los donostiarras -segundo con Leire al mando- iba a dar mucho de qué hablar. Era uno de los discos más esperados para finales de este 2011 y, a la vista de las cifras, puede batir records.

Fue publicarse el primer single y saltar las alarmas. Un ritmo rompedor, electrónico, bailable y lejano a su estilo clásico. Algo horrendo para muchos y que otros veían como necesario. No cambiar ni transformarse, sino reafirmarse y expermientar. Y si el resultado es óptimo, ahí estarán las cifras, que son las que mandan en este negocio. Pero ello no cambiará al grupo. Aunque sus ritmos cambien a tener más decibelios, más potencia y más energía, las letras siguen siendo igual de sentidas. No cambian un ápice de su estilo.
Un total de once canciones que ahora se tratarán de Cometas por el cielo, su sexto disco. Y esperamos que no sea el último.

1ª) La niña que llora en tus fiestas: el primer single con el que lo dimos a conocer. Un ritmo eléctrico, unos toques armónicos de guitarra y, nuevamente, la voz de Leire demostrando su madurez musical. La primera escucha fue de sorpresa, ya que esta letra 'oscura' daba pie a varias hipótesis del porqué de su creación. Un suicidio, maltrato o desamor, para saber que habla de cuando quieres y no debes, de cuando lo correcto sabe a poco y de cuando deseas lo que te daña y que se acercaba al tema de las drogas.

2ª) Dia cero: una canción con guitarras fuertes que sorprende, por ser un hito en el grupo, por la frase "donde hicimos el amor", y es que es la primera vez que lo dicen literalmente en una canción. Si todo sigue lo previsto, puede ser el nuevo single. Contiene un estribillo pegadizo: "esta madrugada llueve en la ventana de mi habitación"; esas súplicas al ser querido entonan una canción de desamor por excelencia ("y vivo sin vivir en mí, y muero cada hora que se escapa sin saber de ti", "yo sigo sin tu absolución"), es una canción en la que se pide perdón, pero aún no ha llegado. Su final, posiblemente, épico. Leire inicia el último coro invitando a dejarse llevar. Las guitarras, a cuatro acordes (La#, Fa, Do, Solm), suben, compartiendo protagonismo con el bajo, apoyando ambos a la voz de Leire en los gorgoritos finales, dignos de acompañar con la mano en los conciertos.

3ª) Paloma blanca: una de las canciones más tristes de este disco. La historia de una mujer que pierde a su bebé durante el embarazo, de esa gran ilusión que se desvanece ("estrella de mi vida, espérame mi amor, que apenas te iluminas y ya dices adiós"). Una historia conmovedora donde las haya, y a la que Xabier San Martín ha logrado poner letra y sentimiento, acompañado por 'Negas' que hace uso del ukelele y de mandolinas para darle un toque de añoranza. Canción que con pocas escuchas se entiende el mensaje.

4ª) Cometas por el cielo: segundo single si Día cero no termina de convencer. Y no será por ganas, ritmo y buen hacer musical. Unos punteos iniciales que parecen trasladarnos a un ambiente idílico, de madrugada. Y es que la canción transmite un ritmo bailable, de discoteca ochentera, que invita a seguirlo. Al más puro estilo de Mecano con Mujer contra mujer, puede convertirse en otro himno del orgullo. La historia de dos chicas que se dan cuenta de sus sentimientos y deciden lanzarse a vivir el momento ("quédate y desnudemos nuestras dudas de una vez, siempre fuimos dos lunas. Quédate conmigo y mi suspiro será el único testigo que se vestirá de fiesta"). Una receptiva y la otra dispuesta a hacer feliz a esa persona ("porque sólo tú, tú me puedes enseñar a volar cometas por el cielo").

La verdad, como estudiante de comunicación y admirador de la industria cinematográfica (que incluye a los videoclips), puede dar mucho como single, y su videoclip no puede repetir fiascos anteriores. Un inicio de primer plano con los ojos azules de Leire, alejándose para verla con el peinado y el vestido de la portada sobre un fondo oscuro, y que a medida que avanza la canción aclara con tonos naranjas hasta llegar al estribillo donde la combinación con azules, en destello, puede ser buena; seguido de un travelling del grupo por un lateral durante el primer puente. Ideas que suenan bien en mi cabeza, pero que seguro no se verán hechas realidad.

5ª) Las noches que no mueren: canción de transición. Los tonos de aire frío, mal tiempo y un paraguas para dos. La estampa de la pareja, de los primeros días de relación, que sigue manteniendo la esencia del grupo. Las guitarras acústicas con el piano la salvan de mi desdén, que la arroja al grupo de 'otras'. Anecdótico la firma personal de Xabier San Martín, autor de la canción, cuya frase "aquel tres de diciembre del 2000" es un homenaje al día en que salió la Play Station (1994) así como a su santo, San Javier, patrón de Navarra. No me llegó a convencer del todo.

6ª) El tiempo a solas: oscura y con una letra triste y gris. La versión oficiada por los chicos es la de una pareja de ancianos. Uno de los cuales ha fallecido y al otro sólo le quedan los recuerdos y ver pasar los días esperando que llegue el día en el que se vuelvan a encontrar juntos de nuevo. Mi versión, por algo personal, era distinta. La historia de una persona perdida en una realidad en la que no puede estar con la persona amada, en la que busca respuesta a sus interrogaciones ("paso el tiempo muerto a solas, descifrando a Dios"). Su vida parece no tener el menor sentido al no compartirla con la otra persona, y cabe deducir la idea de un suicidio por desamor ("si el silencio viene a por mí, que me coja pensando en ti, porque así, sólo así, soy feliz"). Leire le da el toque dramático apoyada por las guitarras, que en cierto momento se agradecen algo más acústicas para darle sentimiento, así como el piano. Los gorgoritos de "lara larala lala lara" del puente y el nexo con el segundo estribillo con los despuntes de guitarra sobresalen.

7ª) Promesas de primavera: una de las canciones más personales del disco. Una canción hecha desde la perspectiva "humana" de la situación política que muchos hemos vivido en Euskadi, directa o indirectamente ("por eso no podrán parar la primavera que está por llegar"). Un himno a viva voz por la paz, porque acabe ya todo lo que estamos pasando allí y cuyo final parece vislumbrarse con un tenue rayo de luz. Una canción para el optimismo, de confianza en el mañana y de la promesa de un nuevo renacer ("y a nuestros balcones llegará un suspiro de sol"). El comienzo de la misma empieza con el "parapa pá, parapa pá", que recuerda al "ushalala ushalala" de Soledad. Comparaciones aparte, los donostiarras nos vuelven a brindar una gran canción.

8ª) Un minuto más:

9ª) Mi calle es Nueva York: la que suena a 'La Oreja' más clásica, la de siempre, con acordes que recuerdan a Cuídate. Frases largas de mucho sentimiento y con un estribillo denso a la par de pegadizo; de aprendizaje casi obligatorio para los fans. El hecho de sentir la radio como una orquesta; la añoranza por ese amor de verano, por retirarnos del mundo y descansar, por estar al otro lado del charco, de cambiar las aguas del Cantábrico por las de la Costa Este y estar en Nueva York. Por esas estampas con la pareja; el coche, la tienda y el 'bonito' salón. Una canción dinámica, optimista, bailable y digna de corear, con unas guitarras sublimes a la par que el toque distintivo de la batería.

10ª) Mientras quede por decir una palabra:

11ª) Esta vez no digas nada: la última pista del disco. Canción dinámica que quiere acabar con los complejos. De no ser porque los chicos dijeron de qué iba, la interpretación sería muy distinta. Según sacamos en claro en la rueda de prensa, era la segunda canción que trataban el tema de la homosexualidad en el disco. Dos escuchas, con este antecedente, lo confirman. Además, trata su problemática, su mala visión en la sociedad actual, animando a no rendirse ante las complicaciones y a sentirse orgulloso de uno mismo ("te podrán quitar de en medio; te podrán silenciar la voz, pero nunca educarán tu corazón").

Y aunque los coros de Leire parecen pisar a la voz principal, lo cual es un fatal error, su eufórico final bien vale para corear en directo.